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Lover of life, singer of songs

Por Sol Pérez-Pelayo

El 5 de septiembre de 2017, Farrokh Bulsara, mejor conocido como la leyenda: Freddie Mercury, nació en lo que ahora es Tanzania, antiguamente Zanzíbar.

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Hace una semana fui a ver el notorio tributo a Queen: “Dios salve a la reina”. Los argentinos se hicieron muy famosos por ser el mejor tributo de la banda después de que inclusive el distintísimo Brian May los bautizara así. No me gusta decir imitación pero voy a utilizar el término de forma no desdeñosa, porque de verdad quedé realmente sobrecogida por la forma tan fidedigna en la que se plasmaba a los miembros de Queen, no sólo Freddie Mercury (Pablo Padin) quien es simplemente excelso representándolo, sino todos los demás, el baterista portaba el cabello rubio oxigenado de Roger Taylor (Matías Albornoz), el bajista la ademanes y el mini short de John Deacon el bajista (Ezequiel Tibaldo) y el guitarrista llevaba a la perfección el estilo de Brian May y sus distintiva cabellera (Francisco Calgaro).

Freddie Mercury lleva muerto desde 1991, pero aun sigue muy vigente como músico, personalidad e inclusive ícono de estilo. Eso es lo que pasa cuando te vuelves inmortal, trasciendes el tiempo y el espacio, vives para siempre en la cultura y en tus obras. Eso es lo más grande que puede aspirar un artista, llegarle al corazón de las personas, sea de una forma “buena” o “mala” lo que importa es que la obra sea sublime, que tenga una reacción en alguien y que no tenga vigencia. Que no sean simplemente una celebridad, o una moda del momento, sino que se conviertan en un estilo magníficamente reconocido y que venza al paso cruel del tiempo. El arte es belleza bajo nuestro control y eso es nutrición para el espíritu y mientras sigamos siendo humanos y no olvidemos tomar cargo de las cosas no etéreas, seguiremos buscando este placer sensorial que nos hace vivir un poco mas cada día.

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Los asistentes buscábamos todo esto, sabiéndolo o no, el poder de que un recuerdo o el poder de la música nos sacuda de tal modo que sentimos la vida en todo nuestro ser.

No puedo decir que el venue (Auditiorio Telmex) estaba abarrotado a más no poder, pero estaba considerablemente lleno para ser una banda “homenaje” la que se presentaba, he ido a conciertos ahí con bandas originales que no llenan ni la parte del primer balcón.
Entre el público destacaban familias completas con playeras con fotos de la banda, de Freddie, personas de mediana edad y jóvenes aunque no eran mayoría. Esto tiene que ver con la trascendencia de la banda. Parece que Queen sigue tocando, que siguen de tour,  chicos y grandes me dieron este efecto; de que el tiempo aquí se había detenido, de que estamos todos unidos por una causa y esta era la de rendir homenaje a algo (la banda) y alguien (obvio quién) que aunque ya se fue, sigue como un eco creciente. Lo que más pude darme cuenta entre más reparaba a las personas era que todos portaban sonrisas, puedo casi asegurar que fácilmente no vi amargados ahí, o gente con mala cara. Se les notaba ese pasito de emoción cuando andas inquieto por llegar a algún lugar donde sientes que debes de estar. No es una prisa con presión sino con emoción, como cuando los perritos caminan de brinquito cuando van a paseando por la calle. Eran una anticipación marcada por ver aquella banda que te comprende desde las entrañas, que te calienta la cabeza, te seca la boca, te sudan las manos y que te eriza la piel: la sensación de amor verdadero.

Me incluyo en esta horda de románticos enternecidos que estaban vehementes por entrar a auditorio. Desde la adquisición de mi boleto puedo decir que sentí ese brinquito en el estómago. Yo soy una persona que me considero entusiasta, las cosas mas pequeñas o eventos que parecieran no tener ninguna preeminencia en el long run, me emocionan. Si no siento emoción por algo que estoy haciendo tiendo a aburrirme y a dejar todo de lado. Este concierto homenaje me provocó emoción y me di cuenta que hacía lo correcto en asistir. Compré un tequila para ver el concierto más a gusto aún y me dirigí a mis asientos, séptima fila para poder ver con claridad todo.

Cuando las luces se sofocaron; en el auditorio hubo un grito unánime de hermandad casi escalofriante. Yo estaba tan emocionada como si fuera el mismísimo Freddie Mercury el que estaba a segundos de aparecer en el escenario. Escuché los conocidos acordes de una de mis canciones preferidas “Tie your mother down” escrita por Brian May, quien además es astrofísico y defensor animal: WIN.

Voy a ver bandas en vivo todo el tiempo, voy a conciertos, recitales, toquines, palomazos, ensayos etc, sobre todo de metal o sinfónicos y claro como mencioné, siempre siento emoción. Sin embargo, aunque yo sabía que de verdad no era Queen a quien iba a ver no puedo explicar que sentí exactamente cuando sentí en la cabeza como si estuviera borracha y se me puso la piel chinita, de repente cuando me di cuenta, ya estaba gritando en cuento Pablo Padinpisó el escenario, no era él, sino que en verdad era Freddie Mercury con su gorro de policía y atuendo de la cabeza a los pies de cuero. Se convirtió en un símbolo y nosotros en sus intérpretes. Entró en el escenario y todo el auditorio volvió a gritar como si en verdad Freddie hubiera aparecido ahí, reencarnado en este cantante argentino que lo emulaba a la perfección.

Mircea Eliade, fue un filósofo de origen rumano del cual disfruté mucho leer cuanto estaba estudiando mi carrera en filosofía y ciencias sociales pues dedicó mucha parte de su vida intelectual a la investigación del lenguaje simbólico de las religiones. La forma en que se emplea y como tiene peso en el comportamiento de los creyentes o fieles. Este lenguaje simbólico tiene repercusiones en el significado de mitos que son primordiales para el establecimiento del fenómeno de la religión y sus respectivos fenómenos místicos. Eliade los llamó HIEROFANÍAS, o sea manifestaciones de lo que se considera sagrado en una religión o en el mundo en general. Eliade dedicó cuantiosísimo tiempo a reconocerlas en las religiones antiguas y actuales, sobre todo para poder revelar las experiencias místicas que surgían a través de estos símbolos.

Por medio del simbolismo un objeto obtiene un valor añadido, más allá que el que su forma conviene desde su origen. Estos valores son adquiridos o inmediatos, la realidad es inmediata pero a temporal de este modo. Los símbolos nos revelan una realidad total que representa medios de conocimiento que de otro modo serían inaccesibles. Tenemos símbolos para todo, por dar un ejemplo aquí ad hoc, la chamarra amarilla representa a Freddie Mercury, la corona y la silueta con el puño levantado. Un símbolo que une a una religión es mucho más fuerte que solo un motto o una doctrina como tal, pues los símbolos se leen en todos los idiomas y no son meras representaciones, sino que son “la cosa en sí”. Cuando los fieles creyentes van en procesión de una virgen o un santo, aunque se sabe que no es realmente la virgen o el santo lo que llevan a cuestas de iglesia a iglesia, en ese momento se convierte en eso mismo, es la virgen y es el santo, lo más cercano que serán en esta dimensión.

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Tenía mucho tiempo que no asistía a un concierto dónde el púbico respondiera tan acertadamente y que tuviera esa buena conexión con la banda. Creo que existe algo muy específico que hace que esto sea realidad, esto es claramente nuestra adicción a los buenos recuerdos, a las buenas memorias y tiempos. Del modo que lo explica Eliade, de cierto modo sentía que todos los reunidos ahí (también puede ser en cualquier otro concierto con gran audiencia) principalmente respondíamos al gran símbolo que se ha convertido Queen y sobre todo Freddie del rock, de la felicidad y es sin duda un emblema de rock que no podrá ser borrado jamás. Su gran presencia en el escenario y manera de dirigir a la audiencia ha sido muchas veces imitado pero jamás ha sido duplicado o si quiera se han acercado a la par de él. Con su rango de cuatro octavas es difícil que alguien con ese talento y personalidad sea igualado. Así parecíamos todos los creyentes fans y admiradores, con las sonrisas en la cara en peregrinaje ecuménico al concierto.

Pero antes de volver a esto, voy a insertar aquí una graciosa y adecuada anécdota que representa la some kind of magic que provoca Queen.

Unos días antes de que asistiera al concierto del tributo, tuve una reunión con mis amigos de la escuela, a quiénes conozco desde el kínder, nos hemos visto crecer y madurar a través de los años, algunos de ellos ya han formado familias y no hemos perdido contacto. No es raro que nos reunamos, tomemos un par de tragos y escuchemos música, todos nuestros gustos muy indiferentes en géneros y estilos. A veces jugamos a poner una canción cada quien, lo cual resulta muy curioso pero en ese día optamos por una playlist muy chill de los 70s. Una pareja de mis amigos, traía a su hijo Santi, quien como cualquier niño de su edad es muy inquieto y curioso y tiene mucha energía. El niño estaba por todos lados y se subía a los muebles de la prístina y hermosa casa de nuestra anfitriona quién preocupada volteaba para todos lados siguiendo al niño con la mirada y la verdad que yo hubiera hecho lo mismo o quizás yo no me hubiera mostrado tan tranquila.


La música tiene un poder curativo, regenerador, relajante y apaciguador. Existe música para todo tipos de propósitos y me he dado cuenta que puede servir para varias situaciones, en el playlist de los 70s buscaba una canción para que Santi pudiera calmarse o concentrarse en ella,  ya fuera que nosotros aplaudiéramos para distraerlo o que se arrullara. A darle en aleatorio, empezó a tocar “Bohemian Rhapsody”. Prácticamente todo el mundo conoce esta canción, payasamente y entre broma y no, yo hacía un filtro en mis amistades con ella. Si la canción comenzaba y no comenzaban a cantarla conmigo: FUERA.

La verdad no siempre se aplicaba pero era una forma muy útil de reconocer quien en la borrachera y felicidad era digno de cantar conmigo uno de los himnos más cool que se han escrito. A los que nos encanta Queen y esta canción, no van a desmentir que por más horrible que cantes es divertidísimo hacer las voces y cantarla. La canción conocida por muchos sin embargo contiene importantísimas cosas que no se aprecian a primera oída. Bohemian Rhapsody estuvo en las listas de popularidad durante nueve semanas seguidas en el Reino Unido y volvió a ser la número uno después de la muerte de Freddie en 1991. Esto no sucede seguido, que un éxito ya añejo vuelva a las listas de popularidad, es el tercer sencillo que más se ha vendido en la historia. La canción es una innovación porque era algo que jamás se había hecho, era una canción larguísima. Comienza a capela, donde se aprecia la voz de Freddie de una manera limpísima. En esta parte, Santi seguía brincando por la sala, en la segunda parte donde comienza la balada en “mamaaaaaa just killed a man…” Santi se acercó a la sala y miraba a todos lados, cómo si jamás hubiera oído algo similar y se contoneaba de lado a lado .

Para ese entonces comenzamos a cantarla algunos en esa sala, al darnos cuenta que Santi respondía con efectividad a calmarse con la canción me dio gusto y sentí orgullo que un niño tan pequeño se sintiera tan feliz oyendo eso, obviamente mi cuerpo ya estaba cubierto de piel de gallina. Ya hacíamos air guitar en la tercera parte o parte del solo de guitarra y entonces comienza la parte operística, la más divertida de cantar haciendo voces y aunque cantes horroroso como dije, siempre es muy entretenido cantarla, ya parecíamos coro y Santi aplaudía y bailaba y pensé, ok, cuando lleguemos a la parte del rock Santi va a perder la cabeza… y pues todos la perdimos con él. “so you think you can think you can stone me and spit in my eyeeeeee?” para la coda ya habíamos algunos adquirido un humor bastante a gusto, un cierto tipo de trance de procesión religiosa. Los ánimos eran tranquilos y más divertidos entre todos. Santi se tocaba el estomago y escuchaba con una dicha envidiable la canción. Qué ganas de volver a sentirme así!- pensé-  Qué ganas de volver a sentir esa especial emoción al escuchar una gran canción por primera vez, de sentirme niña de nuevo… y me di cuenta que ya me sentía así, que siempre me he sentido así, porque cuando disfrutas de una canción que te encanta , de un sentimiento poderoso, de una obra de teatro, inmanente obra pictórica o una buena conversación inclusive te sientes cada vez más vivo y eso es combustible para el alma.

La nostalgia vive en todos nosotros y mientras mas viejos somos más intensa se pone. “Antes si se quería la gente, mira que seguridad había antes, antes todo era mejor etc.” Lo importante es que no andemos diciendo “en mis tiempos” o sintamos que todo era mejor antes porque todas las épocas tienen su encanto, todo tiene su tiempo y su razón de suceder y a veces se nos olvida que el mundo no gira alrededor de nosotros o que está destinado a ir en nuestro favor siempre. Concentrarnos en vivir el hoy y disfrutar de lo que pase es una parte importante para ser feliz y no estar siempre anhelando el pasado y sus contextos. Por supuesto que yo extraño cosas de mi pasado, pero al hacer esto estamos evitando el presente y estos momentos pronto son el pasado y te das cuenta que no estaba todo tan mal. Yo creo firmemente que como Freddie no habrá nadie más grande ni más talentoso, y eso es parte de mi aferre al pasado a la nostalgia que me mueve para seguir escribiendo cosas como esto sobre el pasado, sobre experiencias que ya no son porque está imposible ir a la par de tiempo.


En el momento que me di cuenta de esto me volví a sentir teenager o más joven y creo que esta es la parte que nos nutre de la nostalgia. Sentir que se eriza la piel y que la garganta se hace un nudo, aire en el estomago y que se esboce una sonrisa en la cara en cualquier momento que recuerdo una canción de Queen me hace sentir viva y eso es algo que no cambio por nada. Happy birthday star, long live the King, lover of life, singer of songs.

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Sol Magistrum Equitum Dixit

Shadowfax from the Lord of the Rings Trilogy.

Shadowfax from the Lord of the Rings Trilogy.

By Sol Pérez-Pelayo

One: The dream

Two nights ago I had a dream that would mark all of my week with causalities and consequences that made me wonder about the real meaning or perhaps foreshadowing of it. I was in a field where it smelled of rosemary, thyme, and cassias; across my feet I saw bushes and marigolds that enchanted my eyes. The air was jam-packed with a delicious pressure and it was so hot I was sweating. Mulberry trees were all around where I was and as my hand reached to caress the plants that were beneath my feet, I heard galloping, it was very fast and it came in increasing paces each time. I could hear it getting near. There was no one around me, but the dashing was getting closer every time, and it started to distress me as the strides began matching the beating of my own heart. The pounding was making my chest ache with pain and I had to kneel down to relieve it. I heard a very loud neigh and as I turned to see, my eyes were hurt for one second, I lifted my right arm to keep the sun from blinding me and there he was. The most splendid and whitest horse and I have ever seen. I thought it was Gandalf the wizard’s legendary white horse Shadowfax. He was whiter than an exposed bone in a fracture, so white it seemed to be the source of some cosmic spell, giving out light of it’s own. But this whiteness didn’t hurt me like the sun because I could see it. Feeling his tremendous existence in the same perimeter as I was made me faint. It has to be also the biggest horse I had lay eyes on; it stood on its two hind legs and had a bewildered look in it´s astonishing brown eyes. As I was staring into this striking glare, the Egyptian obelisk of the Vatican emerged behind it. He neighed again one more time making an earsplitting sound and our gaze met and then I woke up.

I woke up sweaty, dumbfounded and feeling a bit quaint. My heart was pulverizing my chest and I sat in the bed. I could still feel the roman garden’s fragrances in my nose and the thought of the horse entranced me. I have a very peculiar and distinctive relationship with horses or at least the idea of them. I really wish to have one of my own someday so we can be friends and love him dearly. They are certainly one of the animals that I love and admire the most but they also have a part of my heart that is dark and I rarely talk about. Why was that horse in my dream? Was there a horse near me that needed help? The horse in the dream wasn’t hurt but he was very upset. The exceptional connection that I feel with horses comes from this maybe unfounded but very heartfelt idea that I can communicate with them. They have always created the impression of animals who are comprehensive and that suffer beyond means. I have this incredible weird trauma with animals being hurt. I hate walking around downtown Guadalajara and see how people can still ride those “calandrias.” I can’t even begin to express my disgust to spectacles were animals such as horses are hurt and mistreated for idiotic and cruel entertainment.

Two: The memoir

The next day I had a vivid memory from my past. Somebody else in literature had a dream about a horse that was a life changing experience. Sometime around my 15 years of age, I came across one of the most influential books of my formation as a human being: Dostoevsky’s Crime and Punishment. This book’s passages have remained in my head for a very longtime now. There is one extract that until today I have not been able to re visit and that continues to hunt my memories. Raskolnikov, the main character, had a series of dreams that foreshadowed events in his life. In one of these dreams he is a little boy and he witnesses a grisly scene of animal cruelty. It was a dark grey day and he was with his father. Outside a tavern stood a carriage with a poor old mare that couldn’t even pull it anymore. It’s driver, a cruel man kept putting people into the carriage, striking the mare harder each time, and forcing her to pull the heavy carriage. Even writing about this now is hard, my skin is full of goose bumps and believe me, its difficult, I’m getting a knot in my stomach just now. I’ll make this short because otherwise I’ll cry and never finish writing this phantasmagoria of an article I want to share with you all. The man continues to hit the mare, some people encourage him and even cheer when the mare cries and bleeds, others cry and are very vexed and sick with worry by this wretched scene. But nobody lifts a finger and the deranged chauffeur blows the mare, even in the eyes to death. This horrific scene will forever hold a place with pain in my heart. Even though it was just a dream in a book, these are things that happen every single day everywhere in the world. Evil continues to exist because the so-called “good” people do nothing about it.

Image by  Katerina Rss

Image by Katerina Rss

Horses are superb creatures; they have certainly given all to humans asking nothing in return, like most animals have. Horses carry and not pun intended here, strong symbolism in almost every culture in the world. Horses are intelligent individuals that have made contact and communication with human beings. They are able to learn commands and tasks, consistency is key to teach a horse simple tricks and routine is also very helpful for the training of these animals. Horses also possess a very particular and interesting ability; they can associate items or voice tones to situations that often got them upset.  There were no horses in Mexico when the conquistadors came. An ancient woman of the history of Mexico called Malinche or Mallnalli who was a translator, a slave and former wife of conquistador Cortez, had an intimate connection to horses.  Malinalli felt that the horse’s eyes were mirrors that reflected everything one felt. In other words, they were mirrors to the soul.

 Another juncture between that horse of my dream and another horse came across my mind that day. I wrote my thesis for my bachelor’s degree in Philosophy and Social Sciences about Nietzsche’s works and how his personal life had a direct impact on them. On Nietzsche’s decline there is particular chapter that seemed to have made a deep mark in me, the reason as you will read now will be obvious:

It was January the 3rd 1889, in a cold morning in Turin where Nietzsche had gone off in the hopes of writing a new work that reflected his thoughts and new great ideas. The German philosopher came out his door in the Via Carlo Alberto. Across from his sidewalk something called his attention, a driver of two-wheeled horse-drawn carriage was complaining out loud about his horse, there present. The animal refused to pull the carriage or even move, the driver continues to scream and instigating the animal. The chauffer finally looses his patience and beings to beat the animal with a whip. Nietzsche appalled and horrified by this ran straight towards the horse and threw his arms around it and started sobbing like a little child. Many said he asked the horse for forgiveness on behalf of all humanity, pardon for all the cruelty all animals have suffered. Something must have hit Nietzsche’s insides for good because after this he was mute for two whole days, except for his alleged last words ever spoken'Mutter, ich bin dumm!' ('Mother, I am stupid!' in German), after this he lived 10 years without ever muttering another word.

The connection between the abdominal incident in Crime and Punishment and Nietzsche’s culminating moment, retiring from existence and presence in this world is remarkable. I’ll be totally honest here, when I made this association was one of the most consumable and rewarding moments that gave me a gratifying sentiment in my heart.  For years I couldn’t see or be near a horse and not feel awful, simulating their pain. Even their smell would make me feel uneasy, even though I have always loved them as creatures of innocence and beauty.  As Miguel de Cervantes says “It is prerogative of beauty that it should always be respected”. One time, and I recall after more than 14 years (at the time) of experience modeling, acting and photo shooting in many eerie and less than confortable situations; I came across one that was conspicuously touchy for me.

 

Three: The challenge, a blast from the past

A band from Guadalajara called Sutra (check them out they are awesome) hired me to be on the cover of their album and to appear on their music video as well. Everything was stupendous; the art was very lugubrious and dismal, notions and aesthetics that I find very appealing. The idea was of the pilgrimage of two urban witches walking blindfolded around town, carrying a horse’s corpse. Everything went well until I heard horse head and horse body, dismembering of it etc. My blood chilled. I could feel my hands getting sweaty and cold and I almost chickened out, the idea of holding a dead horse in my hands was way beyond anything I could handle. I have pretty much done very weird and gory things I won’t talk about now, but this reached something that gave electroshocks to my nervous system. Before I could freak out and make a complete fool out of myself I saw the “dead horse” was a model, it was made out of foam and even though it looked completely realistic it was lifeless, but not like life had been taken from it, but in a way that it meant it had never been alive before. I stared at its eyes, not into them. They were so real but I couldn’t feel anything. These eyes didn’t reflect my soul, these eyes were just marbles. We took all day filming this video in one the most iconic and oldest neighborhoods in Guadalajara.

There were times where I honestly felt the horse was going to come alive and start moving, I can almost say I saw it move, it was one of the most uncomfortable and challenging jobs I’ve ever done, not because I was walking around blindfolded or in a tight dress in front of people, but because I really thought this horse was going to move in any minute. I loved doing this and I’m a fan of the band but this was absolutely horrifying and hard for me. Even that scene in the Godfather with the horse’s head has got to be one of the most disturbing film scenes for me.

Four: the present

The morning after as I was getting ready for my early run, I couldn’t stop hearing this roman horse in my head and every time I blinked I saw him and his penetrating eyes glaring back at me. As a fan of metal music I make lists on my Spotify for when I do certain activities, I can almost do pretty much everything to Death or Black metal, but I had found a new taste in folk metal when I ran. There is a function called “artist radio” this makes a “station” based on a artist that you play and it plays songs that are similar or what Spotify thinks you are going to enjoy. I was around my 7th kilometer feeling unusually exhausted, when a song I had never heard before came up and I fell in love. The first thing I heard was a ceremonial group of trumpets announcing something, something of importance, a coronation perhaps. The song was called “I, Caligvla”. The vocals, guttural and strong, were very familiar but the music wasn’t. I turned over my phone and saw one of the most astounding album covers I had seen in a long time. This band is called EX DEO, it’s the side-project of Kataklysm's Maurizio Iacono. Kataklysm is one of my all time favorite bands, no wonder I recognized his voice and felt awful because I didn’t know this was his side project. I felt even more awful when I realized all his songs have to do with the ancient Roman Empire and I had never heard them before. Caligula is my favorite emperor; ever since I read Albert Camus’ play I have been overly obsessed with Caligula and his empire.

This newly found discovery of “Roman metal” made my day. The band was amazing, he had all the themes of the Roman Empire engraved in their songs and albums, however, their songs were still in English, I would be thrilled if they were all in Latin but I guess that’s a challenge. During the week I continued my investigation of Roman Metal, I found a band from Lazio called ADE, their songs are mostly in Latin and I have found both of the bands a ball to listen to, I couldn’t be happier. But the videos that I saw of the band (of EX DEO) were not that cool, the production was certainly very good but maybe its my high expectations due to a “Caligula” 1980 American- Italian film.  This film was produced by famous men’s magazine Penthouse. The intention was to make an explicit erotic, close to pornographic film with good dialogues great actors and real sex on tape portraying the sexual deviants and excesses that have characterized and stained Caligula’s reign.

Five: The emperor and the golden equus

Caligula, whose real name was Gaius Julius Caesar Germanicus (Caligula, means "little (soldier's) boot" in Latin), was a very controversial Roman emperor; he was a ruler of the Julio-Claudian dynasty. Despite Caligula's popularity with the people, the Senate expressed disparagement for what seemed to be airy eccentricities. Caligula by most history books and even the film production mentioned above is remembered as a degenerate and mad emperor who only used his power to oppress. He entered the senate and his reign with great widespread acceptance; he arrived in Rome like a true rock star. The crowd in the streets loved him and all acclaimed him, this specially because his real father was Germanicus and not the former “mad” emperor Tiberius (suffering advanced syphilis). His first year was great for the Roman Empire, he made treason papers invaluable and gave his army important benefits. Caligula pardoned exiled politicians and helped those whose life had been affected by exuberant taxes. He punished sexual offenders and had the people happy and entertained with gladiator spectacles. He built several aqueducts and made a public reform. However, nearly after this, his health declined and his attitude changed and turned in to a complete monster by engaging in activities that harmed others sexually, he also began executing people without leaving any trails, even within his own family and thus, this lead to his murder. He was emperor for about four years; he was only 28 when he was assassinated.


 

That same day after the run and lunch and all that, one of my good friends called me up to tell me she had gone to one of the most ridiculous places in our city: a nightclub. A popular place for some known to be elitist, full in my opinion with phonies that are mostly gold diggers and low self esteem beings who pretend to find love or snort coke in the bathrooms. I asked her what she was doing there; she said she was just making company for a friend. She said everyone apparently found so odd that they let her in with sneakers and that she didn’t know anyone. They thought she was a foreigner they even pretended to introduce Tequila to her. She couldn’t hear over the loud annoying music when they asked her if she had tasted it, she said no, thinking that they had asked her if she had tasted this particular brand. Somehow this tequila, worth $500 pesos per shot (no joke) was what made these people feel so above everyone else. I asked her what’s in the shot? Gold? We both laughed but to be really honest with you, I felt a little tingle in my spine with fear, really? Are people actually buying this opulence? In the nervous laughter I remembered a really cool, odd and funny fact about Caligula, His HORSE; Incitatus. 

Incitatus was the single most beloved living thing that belonged to the emperor. I read about all the oddities Caligula had for his horse. According to Suetonius a Roman historian that lived around c. 69 – after 122 AD Caligula adored his horse from birth, he had his stable made from white marble, his manger was made from ivory and he often wore purple blankets. Purple was the most expensive of tints back then and a color set apart only for royalty. He wore necklaces with precious jewels and even ate oats mixed with gold flakes (yes! Like those people in the nightclub with the tequila shots!)  He had several servants designated just for his needs, and he was a racehorse who only once lost a single race ever, the unfortunate jockey was executed. How could it be Incitatus’ fault? On the nights previous his race, absolute silence was ordered, whoever disturbed Incitatus’ sleep was killed. Caligula wanted to name him a consul in the senate and this outraged the other senators. This story has two sides like most stories. It is said for starters, that Caligula’s madness[1] had gone way overboard and his exacerbated love for his horse as well; and two, he wanted to make fun of the senators by appointing a horse with no logos and reason so it could do their job if it could live like them.

But one thing is for sure: Incitatus was the horse of my dream. Today is a full moon and I hope he gallops through my dreams to foretell me another even and screaming “cry havoc and let slip the dogs of war”.

Note: HAVOC!  Was a military signal the English used during in the Middle Age to direct soldier into attack, rapine and pandemonium. This phrase is taken from the Shakespearean from the play “Julius Caesar” (III,i 273) “Julius Caesar” after his murder to foreshadow a catastrophe.

Jim Carrey teaches us a perfect way to fight depression

All pictures were grabbed from Jim Carrey's official Twitter page.

All pictures were grabbed from Jim Carrey's official Twitter page.

By Tom Spiegel

The world famous comedian took some time to give us a much-needed life lesson for today's society in which he shows us the ideal path to combat depression: painting.

As a comedy nut that I've always been and also a bit of a closeted psycho therapist, it's inevitable for me to analyze the most talented comics in history, or at the very least the ones who I can remember. The furthest I've gone in my research is Jonathan Winters or Don Rickles, both considered icons of the craft. In all the passion I've found throughout my never ending videos and texts, I have found a pattern that is more familiar with comedians who are more involved in the Hollywood world and worry a bit more about succeeding than actually enjoying the thrill of making people laugh. What I managed to discover in my investigation process, is that the more talented the comedian is, the more he wants to cover other artistic areas in entertainment. 

We have some incredibly quick-thinking improvisational comics, who I consider to be at the very top of the creative realm. Fair examples of this comic are the ones we will discuss in this article. Jim Carrey, Richard Pryor, TJ Miller, Gregg Geraldo, and more importantly Robin Williams; these are the prime examples of creative comic minds who sometimes cross a very thin and dangerous line that can suck their souls and sometimes even spark mental illness they didn't have before. Jim Carrey has been well-known as a diagnosed bipolar comic who has always fought with depression; he has never shied away from the burdens he has to bear every single day of his life. Being that talented has a high price, for some comics being this creative has even cost them their lives. 

There is also the more prepared and sharpened comedian who wasn't good when he started but has improved over the years to levels that only the very best can aspire. In this group of comics, you can easily find people like Ricky Gervais, Louis C.K., Jerry Seinfeld, and Chris Rock talking about their rise to stardom and how hard they worked over the years. These guys need at least a year to write a full hour of material and another year to test it in comedy clubs before they are confident they have a good show, but the misfits like Carrey and Williams were born with the comedy spark since they were little. Both of them were lonely little boys who started developing characters at an early age without realizing they also developed mantel illness; Robin Williams developed dementia for example. 

August the 11th marks three years since Robin Williams sadly passed away after committing suicide, the icon was found hanging in a bedroom door. People already knew how depressed he was since he was young, substance abuse at an early age certainly didn't help in latter years because his illness only grew stronger. But then again, the fact that he needed so many drugs to feel better also means that even sober he didn't feel okay. Fortunately for him, Robin's family helped him find inner peace in the city of San Francisco, and we witnessed some of the most impressive work of his career during his sober years. But as all unhinged creative minds, Robin required something to keep him occupied and distracted from his always present depression. Going on bicycle rides every day seemed to help out a lot, but divorcing his wife and separating from his family was a huge blow for him. 

I remember shedding many tears when I found out about his passing; it's almost as if I had lost one of my dearest friends because I had been following his career for decades. That's when it hit me; I remembered how severe Jim Carrey's depression had been for the past few years. Personal problems had him in constant search of tranquillity and enlightenment, a sudden alarming feeling came over me, and I started researching the latest acting he's done or comedy he's performed. I quickly realized that Jim Carrey hadn't done much in the last decade, he is another one of those artists who feel suffocated by the shallow and empty Hollywood life. Then I stumbled upon a nifty little show made for comedians by a legendary comedian called "Comedians in Cars Getting Coffee", my first reaction was searching for Jim Carrey's episode, and there it was. 

This was a few years back, the reason I bring this up is that it soothes me to know that fewer people are as alarmed as I was then after knowing that Jim is alive and well. In that episode with Jerry, he spoke about how much he is enjoying life through painting, the perfect therapy for a person who suffers depression the way he does. Then a few days ago, Jim uploaded a documentary about his experience with painting called "I Needed Color." Watching it reminded me of Robin Williams so much, I felt sad because I knew he wasn't able to find the proper therapy in time like Jim did. But I also felt happy because I saw hope in Carrey's words during the documentary, he knows he is the type of creative mind that needs to feel less involved in the world's problems because they hurt him on a fundamental level. 

Sadly, not all comedians have the fortitude or carelessness to find comedy in tragedy. People like Jim Carrey are compassionate souls who do their comedy with no intention to enrage anyone, other comedians don't care about that, and that's okay. Perhaps the British comics have a more relaxed way of approaching their craft, people like Jimmy Carr, Ricky Gervais, and Craig Ferguson don't take themselves that seriously. Maybe that's where their success is hidden in plain sight, not giving a fuck every once in a while and just letting the comedy flow can also be the answer sometimes. I sure do hope Jim Carrey comes back to act in great comedy movies like in the past, let's hope his new hobby fuels him with motivation, and we get a new timeless character to imitate until the world comes to an end. 

Keep that momentum going Jim, please don't make me miss you and cry for you as Robin did.

Cuando trato de echarte la culpa termino teniéndola yo

All Linkin' Park pictures were grabbed from their official Twitter account.

All Linkin' Park pictures were grabbed from their official Twitter account.

By Sol Pérez-Pelayo

l  would be lying if I said that I was a huge fan, or that I had been thinking about that band or him or prophesying his death for the last couple of days. Even so, I do not condemn those who do, or those who suddenly camefans of the band or singer after his death. I'm not one of those people who criticize others because "they become fans" overnight of somethingthat becomes a trending topic because of a sudden Unfortunately we as artists are worth more dead than alive. I'm talking about the recent suicide of Chester Bennington, the lead singer of LINKIN PARK.

A famous person’s suicide is always news, it is not the first time even this year, (remembering the great Chris Cornell) that Facebook newsfeeds are invaded by the suicide or death of a singer or musician that somehow marked my life at a certain point. The first time I felt this particular pain that ached in my whore body but at the same time without a real location, it was with Kurt Cobain. I found that I could feel closer to these people whom I had never met in person than with the people I talked to on a daily basis. This is because the connection we share comes directly from that unrivaled feeling that a song has, when it touches you, as something ancient, as if it read something inside you that nothing and no one else can.

Since I was very young I have enjoyed listening to music, especially rock and metal. When I was growing up at the beginning of the millennium, a lot of things were changing, and although I spent all of my allowance on CDs, MP3s began to take over the music industry. Even though I was a fan of old school metal like Thrash, Black and American or European Death Metal, I began to take this new kind of music into my esteem. NÜ METAL was not only part of my formation and influence playing bass in my band but also in my development as a teenage girl with very different tastes in a world with a society that lives for stereotypes.

Thismusic genre differed from everything I had heard so far because it combined different styles. These were undoubtedly influenced by Heavy Metal,  the guitar riffs were repetitive and sticky the virtuoso solos of old Heavy Metal disappeared. The voices were a composition of clean vocals, combined with elements of hip hop, rap and even a little guttural screams. At the time I had not analyzed it so thoroughly. I was 14 years old in a world where I wanted to find my way, playing bass, in athletism or writing poems. But it was in music where I discovered a special sanctuary. I think that many of us participate in this almost psychopathic melomania, that exact moment where the world stops, when it breaks into a thousand pieces and each of them outlines a fraction of our personal soundtrack that forges our life and professes a context that illuminates that very moment, which is unique and will never again exist.

For those of us who were born in the last half of the 80s, became teenagers just as the millennium was about to crash it’s way into our lives like a hurricane. It's true that we had our whole life talking about this, we guessed that there would be flying cars and robots with a keen sense of humor as in the Jetsons, but as the date approached, it all seemed like a hallucination. I also remember during that this time, I discoveredgerman philosopher Friedrich Nietzsche, someone who would stay with me the rest of my life. I read about nihilism and felt some sort of confort knownig that, like me, others had already felt this strange rage that perhaps was part of my development. A newly acquired hormonal behavior, of a type of adolescent angst without an specific justification, but that conformed a great part of my personality.

In a world where Rick Rubin was the producer of the greatest alternative bands of the world, I longed to find sense in my life through music everyday. I has already identified with musical lyrics before, when I discovered grunge. But Nü metal and Nietzsche came into my life just at the perfect moment. We clicked, iracound lyrics, frustration and the entering a millennium that becameless and less human, and dedicated to the earthly matters was part of what fashioned me.

Although I have always been more inclined towards the heavy, the brutal, the acidic kind of music, I found out one day that my unconditional love of Nordic Black Metal, Metallica and Sepultura and more recently acquired of Korn and Slipknot there was room for something that had never existed until then in my musical tastes. It was my weekly habit to go to the record stores and spend my last dime on records that I discovered on the radio program “El Despeñadero” or on “Metalmorfosis” in the radio of University of Guadalajara. On one of these trips I stumbled over with HYBRID THEORY. One shouldn´t judge a book by its cover right? I couldn´t agree more. Because despite the cover being absolutley hideous someonethings told me to check this band out, a band that I had never heard of but read about in Hit Parader.

I didn´t have to listen to it for long when the record became one of my favorite of the moment. It didn’t take long for me to look up more information about them and found a photo that reminds as one of the most intense memories I have of my teenage years. It was a photo that promoted Hybrid Theory; Chester Bennington´s arms tattooed with flames, just that without a face, and they framed a microphone. The photograph immediately enchanted my eyes. In my last year of middle school this photo became the cover of my English Lit notebook. Only in the United States this record sold 10 million copies,, whether we consider ourselves fans of the band or not, we would have to be diluted by not accepting that they were an influence of cardinal scale, at least in their genre. I would be a hypocrite to say that they did not mark my life in a way, at least with that album. It is true as I said at the beginning, that the band was no longer a one of my favorites, I didn´t listed to them or even knew that they had a new album. I had moved away a lot NÜ Metal and I am now where I love it most forever in Death and Black metal, genres that I have always listened to with singular joy and enthusiasm, so Linkin Park and Nü Metal did not last in my life.

When I speak about transcendence, the most valuable thing left to us by an artist or writer after their death is their legacy. One of my most conspicuous obsessions in both my life and in my writings is the idea of iving eternally through a work of art or literature that achieves transcendence defing time. It is the only way to live beyond the ethereal life we ave, to continue in this world even after or last breath.

With the news of Chester Bennington’s alleged suicide, which I found lamentable, the old ideas of suicide resurfaced in me. Suicide was a subject that obsessed me as a teenage, the idea of having control of your life to the point of being able to decide when to end it and not so much as a last or easy way out of a life which you can no longer deal with and you make the choice to depart from. Both points are reasons by which people may cease with their lives, but I was really intrigued by the idea of hy so many people that I admired committed suicide?

One of them most known Nietzschean theories is the Eternal Return; The same thing is repeated forever. But in a physical idea o nature, not involving things like reincarnation. But to someone who suffers a great deal, why would they want to repeat it all when death could end it? The idea of epeating the same thing involves the idea of Amor Fati or love for your fate. There is a will to live, but this would also mean that there is a will to die. The Will to Power also affirmed by Nietzsche creates the Übermensch who after announcing the death of God enters inevitable nihilism. The idea of he Eternal Return is perhaps a little frightening, since we know that the end of it all is death, but we often do no know the time, place or cause. If we put ourselves against infinity, time, space and the universe we would realize our own triviality, our existence is going to be reduced to living 70 something years and this against the eternity is an insignificance. Should we then decide to live a fuller life because of this, or we could decide to live intensely? Live thinking that everyday can be our last?

Perhaps it´s even unfair that Chester Bennington and Linkin Park were quite successful in their golden times, but it also true that they no longer enjoyed of total support from their so-called fans as it was at begining. Now that he has died, his fans may be collecting regrets, many of having abandoned him in his human and artistic journey, have resurfaced from the depths of their computers or perchance many are new. As I said, I do not condemn this, everyone knows what they do and what they say. The death of someone else opens up in us humans a certain feeling of guilt and trepidation, because we see in it our own death, our impotence to be able to do something, given that it is too late. It is at present too late for Chester, for all the people who called him poser or sellout or for those who stopped admiring him at their own  convenience. It is already late for all of them who still love him and that his death has left a gap in their lives, whether they were close to him personally or not. Nevertheless, it is only late in some way in this life, given the fact that t´s now imposible to to be able to do something more with it. Chester's suicide aroused in me these nihilistic feelings that I stumbled upon alongside his band and my intellectual guide. Philosophy and music will always be part of my life and leverage the way I see and analyze it

In any case, our Mexican idiosyncrasies of dealing with death in a humeours take or as a joke allows us to make pranks about tragedies as soon as possible. The memes or mockeries of something that started out as is something aberrant come sooner thatn ever. I am not sure if it is already something that conforms our Mexican geist or if we are already insensitive to the pain of others, which terrifies me. There are thousands of opinions about Chester´s suicide: if he was a selfish, that he was so famous, what about his family?, etc. The truth is that we can not and do not have the right to judge anyone, but I forget that in the networks we have all been like that, despotic judges of situations that are not of our concern, that everyone online feels that they are experts in all areas even if they have not studied the topic at all.

Until yesterday I hadn´t listened to the band ina long time, possibly and as many do it was because of thenostalgia I felt. I can honestly say that I shifted to my adolescence I was 15 years old again,  back then when I unveiled many things in my life and I returned to those years where I began to strengthen the roots that until now have kept me true myself. Nietzsche says: "The individual has always fought not to be absorbed by the tribe. If you try, you will often be alone, and sometimes scared. But no price is too high for the privilege of being oneself. "

My first ever experience at Comic-Con International

By Tom Spiegel

Even if I have always been an avid movie and comic book fan since I have a memory, I had never really been graced with the opportunity to experience the San Diego Comic-Con due to various reasons. But this year was going to be different; my goal was to at least make it to the outskirts of the convention center and take loads of pictures of sweaties in full-blown cosplays. But what I got was a little bit better, just a tad shy of the full experience. While visiting my favorite video game shop, I encountered a nice lady employee who told me about a chance to work at the Con for a few days, suddenly getting paid to attend the event seemed like an excellent idea. The catch was that I would work as a security guard on the main entrance floor, without getting to go down to the exhibit hall. This was my first chance to actually get to say that I attended Comic-Con, so finally, I decided to go through with the experience. 

Verdict

I gotta say, apart from the excruciating pain my feet went through during all four days of the Con, the experience was actually pretty amazing. I got to interact with thousands of sweaty fans whose faces told the story of a place like no other, a convergence that congregates hundreds of thousands of fans who love movies, comic books, and pop culture, who are mostly quite respectful for one and other. My post was at one of the main entrances in the registration area; I had to deal with people who wanted to go out of the building for various reasons and needed to be re-directed by yours truly in order to get to the other side. For the most part, I had absolutely no problems dealing with people who just wanted their freebie bags, their collectible pin, and limited edition Jack Kirby book with articles about his impressive career. Since I wasn't allowed on the main floor, that was the best I could aspire to get, and I enjoyed every single minute of it. 

I did attempt to sneak into the main floor, at first I did get past the security guards, but I miserably failed after only five minutes of walking in I was politely asked to leave the premises. It was worth the try; I got to take a picture of K2-SO from Star Wars: Rogue One. After that failed attempt, I knew that my main objective was to take as many cosplay pictures as I could, and that's exactly what I did. 

The Strong Cosplay Game

It's hard to imagine how much work goes into making most of the elaborate costumes that make it to Comic-Con, I got the pleasure of taking over 60 pictures that I share with you at the very top of this article. All the toddlers with their cosplay are the ones that get me every time. However, perhaps the most beautiful costumes are the ones I got to see an old couple dressed as Han and Leia, who were walking around the floor holding hands and looking cuter than anything I got to see during the whole weekend. I also got a chance to find a couple of celebrities who were walking across the room to get to a panel. One of them was legendary comic book sweaty John Schnepp who has a show on Collider called Heroes. He was nice to me when I recognized him but looked a bit rushed to get to a panel.

However, the other famous person I met was one of the most recognized film critics in recent history; his name is Scott Mantz. As soon as he realized I knew him, he was incredibly gracious and asked me to take out my phone for a selfie; it's cool when people who get famous don't let it get to their head just like Mantz did with me and many fans I'm sure. But is I want to talk about highlights, there are other details of my whole trip that I can mention, for one I got to attend the event with my brother Diego who volunteered and hung out with me after every shift. Another great moment was when I met the lovable Moose, a local who goes every year for the autographs and got to take a picture with Chadwick Boseman. During a few breaks I got while working, I decided to spend time with him and got to meet a great human being who was one of the nicest people I met. 

For next year, I will try to get a badge for sure, either as a professional or press so I can cover more details of the event for this website. I do believe that we qualify to get in there without a problem, we'll do everything we can to get the full experience of the Con. But as a first time, I really can't complain about everything I saw. And the best part of it was that I got to hang out with some very nice people, both staff, and attendees. Let's hope next year increases my love for the experience. 

Picture taken from Moose Polk's Facebook page

Picture taken from Moose Polk's Facebook page

Trying to put so much on you takes so much on me

All Linkin' Park pictures were grabbed from the band's official  Twitter  page

All Linkin' Park pictures were grabbed from the band's official Twitter page

By Sol Pérez-Pelayo

Estaría mintiendo si dijera que yo era mega fan, o que tenía días pensando en esa banda o en él o profetizando su muerte. Aun así, tampoco voy a condenar a quienes lo hagan, o a los que de repente les entró un amor a la banda o al cantante a raíz de su muerte. No soy de las que critican a la gente porque “se hacen fans” de la noche a la mañana de algo que no conocían pero de pronto por algo como una muerte, se convierte en trending topic. Desgraciadamente los artistas valemos más muertos que vivos. Estoy hablando del reciente suicidio de Chester Bennington, el vocalista de LINKIN PARK.

 

El suicidio de una persona famosa siempre es noticia, no es la primera vez inclusive en este año, (basta recordar al gran Chris Cornell) que los newsfeeds de Facebook son invadidos por el suicidio o muerte de un cantante o músico que de algún modo marcó mi vida. La primera vez que sentí este dolor particular que me dolía por todos lados pero al mismo tiempo sin una localización real, fue con Kurt Cobain.

Así fueron suicidándose ídolos que yo aún sin conocer en persona, pude sentirme más cercana a ellos que con las personas con las que convivía a diario. Esto es, porque la conexión que compartimos es directa de ese sentimiento incomparable que te provoca una canción, cuando te toca, como algo antiguo, como si leyera algo dentro de ti que nada ni nadie mas puede.

Desde una edad muy temprana he disfrutado mucho de la música y sobre todo del rock y metal. Cuando yo estaba creciendo en el comienzo del milenio, muchas cosas se estaban innovando, y aunque yo gastaba hasta mi último “domingo” en CDs, los MP3 comenzaban a invadir la industria de la música. De cualquier modo, aunque yo era fan del metal vieja escuela como el Thrash, Black nórdico y Death americano o europeo, lo que me tocó disfrutar como parte de mi formación y no sólo musical tocando en mi banda, sino musical en formación como una chica con gustos no comunes en un mundo lleno de estereotipos, fue por supuesto y sin lugar a dudas, el llamado Nü Metal.

Este género se diferenciaba de todo lo que yo hasta entonces había escuchado porque combinaba diferentes estilos. Éstos tenían sin duda gran influencia del heavy metal, los riffs eran comunes y repetitivos mientras los solos virtuosos del antiguo heavy metal desaparecieron. Las voces eran una composición de vocales limpias, aunadas con elementos de hip hop, rap y hasta un poco de gutural. Todo esto en ese momento no lo había analizado con tanto detenimiento. Yo tenía 14 años en un mundo donde me buscaba encontrar camino, tocando el bajo, en el atletismo o escribiendo poemas. Pero fue en la música donde descubrí un refugio especial. Creo que muchos participamos de esta melomanía casi psicopática, de esa conmoción donde el mundo se detiene, se parte en mil pedazos y cada uno de ellos perfila una fracción de nuestro soundtrack personal que forja nuestra vida y nos profesa un contexto que ilumina ese momento, el cual es único y que nunca volverá a existir.

 

A los que nacimos en la última mitad de los 80s nos tocó ser adolescentes justo cuando el milenio estaba a punto de adherirse en nuestras vidas como un huracán. Es cierto que teníamos toda nuestra vida hablando de eso, que conjeturábamos que habría carros volando y robots con humor como en los Supersónicos, pero entre más se iba acercando la fecha, todo eso parecía una alucinación. Recuerdo también durante esta época haber descubierto a Friedrich Nietzsche, persona que se quedaría conmigo el resto de mi vida. Descubrí el nihilismo y qué como yo, habían existido ya escritores que sentían esta extraña rabia que quizás formaba parte de mí. De un comportamiento hormonal recién adquirido, de un tipo de enojo adolescente sin justificación específica, pero que conformó gran parte de mi personalidad. En un mundo donde Rick Rubin era el productor con las bandas alternativas más escuchadas del mundo, buscaba encontrarle sentido a mi vida por medio de la música cada día. Con estas letras me había identificado en el grunge, pero el Nü metal cayó justo en el momento perfecto.

Hicimos clic, las letras de enojo, de frustración y el entrar en un milenio cada vez menos humano, cada vez más dedicado a lo terrenal era parte de lo que conformaba mi dedicación a toda esta corriente en la cual crecí.

Aunque siempre me he inclinado más por lo pesado, lo brutal, lo ácido, encontré un día que dentro de mi amor incondicional al Black Metal nórdico, a Metallica,  a Sepultura y recientemente adquirido a Korn y a Slipknot había lugar para algo que nunca había existido hasta entonces en mis gustos musicales.Era mi hábito de cada semana, ir a las tiendas de discos y gastar hasta mi último centavo en discos que había descubierto en el programa de radio el Despeñadero o uno que existía hace mucho que se llamaba Metalmorfosis en radio Universidad de Guadalajara, cuando me topé con HYBRID THEORY. Se dice que no se debe de juzgar un libro por su portada, y estoy de acuerdo de eso,  porque la portada a mi gusto era espantosa, y como mencioné me gusta la música mas “pesada” en cambio, decidí darle a esta banda de la cual había leído en HIT PARADER pera que jamás había escuchado; LINKIN PARK una oportunidad.

 

 

A las pocas veces que lo escuché, el disco se convirtió  en uno de mis discos favoritos del momento. No tardé en buscar mas información y encontré una foto que es de los recuerdos más intensos que tengo de mi adolescencia. Era una foto promocionado el disco Hybrid Theory; eran los brazos tatuados con flamas de Chester Bennington, así sin cara, enmarcaban un micrófono y en seguida, encantaron mis pupilas En segundo de secundaria los brazos en flamas de Chester fueron la portada de mi cuaderno de English Literature. Tan sólo en los Estados Unidos vendieron 10 millones de copias de su álbum debut, seamos fans o no seamos fans, tendríamos que estar negados al no aceptar que fueron una influencia de cardinal escala, por lo menos en el género. Yo estaría siendo hipócrita al decir que no marcaron mi vida de algún modo, por lo menos con ese álbum. Es cierto como dije al comienzo, que ya no era seguidora la banda, que me había alejado mucho ya inclusive del NÜ Metal y me he quedado estacionada ya para siempre en el Death y el Black metal, géneros de los que siempre he escuchado con singular alegría y entusiasmo, por lo cuales Linkin Park y el Nü Metal no duraron en mi vida.

Hablando de la trascendencia, lo más valioso que nos deja un artista o un escritor es su legado. Una de mis obsesiones más pronunciadas tanto en mi vida como en mis escritos es la idea vivir eternamente mediante una obra que logre la trascendencia a través del tiempo. Es la única forma de vivir más allá de la vida etérea que tenemos, de que sigamos en el mundo aun después de haber dejado de respirar.

Con la noticia del supuesto suicidio de Chester Bennington, la cual de verdad encontré lamentable, resurgieron en mí las antiguas ideas del suicidio. El suicidio era un tema que me obsesionaba de adolescente, el tener el control de tu vida al punto de decidir cuando terminarla, no tanto como una última salida a una vida con la cual ya no puedes y decides dejar. Ambos puntos son vertientes por las cuales las personas quizás cesan con su vida, pero realmente me intrigaba la idea de ¿por qué tanta gente que yo admiraba se suicidaba?

Nietzsche habla de su teoría del Eterno Retorno; se repite lo mismo por siempre. Alguien que sufre mucho, ¿por qué querría repetir lo que con la muerte pudo acabar? La idea de repetir lo mismo involucra la idea de amor fati o el amor al destino. Hay voluntad de vivir, pero esto también implicaría que hay voluntad de morir. La voluntad de poder acuñada por Nietzsche crea al superhombre después de anunciar la muerte de Dios y entrar en nihilismo inevitable.  Resulta quizás un poco aterradora la idea del Eterno Retorno, pues sabemos que pasa al final siempre, sabemos que moriremos. Pero no sabemos la mayoría del tiempo cuanto nos queda de éste y ni la causa de nuestra muerte. Si nos ponemos contra el infinito, el tiempo, el espacio y el universo tendríamos la idea de que no somos nada en sí, nuestra existencia se va a reducir a si bien nos va 70 y pico de años y contra el tiempo eterno es una insignificancia. ¿Es que gracias a esto, pudiéramos decidir vivir intensamente? ¿Vivir pensando en que podría ser el último día?

Haciendo un paralelismo, quizás hasta medio injusto; Chester Bennington y Linkin Park tuvieron en su tiempo bastante éxito, pero era cierto que ya no gozaban de tal ni de total apoyo de sus fans como lo fue en un principio. Ahora que ha muerto, y que ha decidido voluntariamente dejar este plano, sus fans quizás arrepentidos muchos de haberlo abandonado en su camino como seguidores, han resurgido de las profundidades de sus ordenadores o quizás muchos sean nuevos. Como dije, yo no condeno esto, cada quien sabe que hace y lo que dice. La muerte de alguien más abre en los humanos un cierto sentimiento de culpa y de miedo, porque vemos en ella nuestra propia muerte, nuestra impotencia de poder hacer algo, porque ya es demasiado tarde. Ya es demasiado tarde para Chester, para toda la gente que le llamó poser  o vendido o que dejó de admirarlo a conveniencia. Ya es tarde también para todos ellos que aún lo quieren y que su muerte ha dejado un hueco en su vida, hayan sido sus cercanos o no. No obstante, sólo es tarde de algún modo para la vida, para poder hacer algo más con ella. El suicidio de Chester despertó en mí estos sentimientos nihilistas que descubrí a la par de su banda y de mi guía intelectual. La filosofía y la música siempre van a formar parte de mi vida y de la forma en que la veo y la analizo.

De cualquier manera, nuestra idiosincrasia mexicana de tratar con la muerte como algo chusco nos permite hacer bromas de las tragedias a la brevedad posible. Los memes o mofas de algo que un principio es algo aberrante no se hacen esperar. No estoy segura si es ya algo de nuestro geist mexicano o si de plano ya estamos insensibles ante el dolor ajeno, cosa que me aterroriza. Hay miles de opiniones: que si era un egoísta, que de que le servía tanta fama, familia etc. La verdad es que no podemos ni tenemos derecho a juzgar a nadie, pero se me olvida que en las redes todos hemos sido así, jueces déspotas de situaciones que en verdad no nos incumben, que hay expertos en todo aunque no hayan estudiado nada.

Hasta ayer tenía mucho tiempo que no escuchaba a la banda y quizás como muchos dicen sólo por el furor o el recuerdo los puse. Puedo decir honestamente que me transporté a mi adolescencia, de nuevo tenía 15 años, descubría muchas cosas en mi vida y regresaba esos años donde empecé a fortalecer las raíces que hasta ahora me han mantenido fiel a mí misma. Dice Nietzsche: “el individuo ha luchado siempre para no ser absorbido por la tribu. Si lo intentas, a menudo estarás solo, y a veces asustado. Pero ningún precio es demasiado alto por el privilegio de ser uno mismo”.

Sergio Brown nos lleva a la Docu-Ficción autobiográfica

Foto por 'Checo' Brown

Foto por 'Checo' Brown

Por Pavel Ibarra Meda

Una de las principales razones por las que fue creado Kinofilia, es por el amor incondicional que he tenido por el cine desde que tengo memoria. Recuerdo los días en los que iba a mi tienda de video donde rentaba todos los VHS que podía y los devoraba en cuestión de horas, esto es mucho antes de que el internet se convirtiera en este monstruo tan prominente que el día de hoy domina la cadena alimenticia en el mundo del consumo. Pero hay una rama del cine que no conocí hasta que estaba más grande, ya como preparatoriano en la ciudad de Tijuana. 

Fueron los tiempos en los que se dieron todos los eventos del 11 de Septiembre, en aquellos años conocí el cine documental gracias a Michael Moore y su 'Masacre en Columbine', después pude analizar detenidamente su 'Farenheit 9/11'. Pero el documental lo conocí de una manera más íntima gracias a una de las principales figuras del género en la frontera, un maestro que cada que puede alza la voz y el lente cuando ve una injusticia. Un nativo del municipio de Rosarito, que por mucho tiempo adoptó a la ciudad de Tijuana como su casa, pero siempre mantuvo gran parte de su alma cerca de la brisa y la arena del 'pueblito' contiguo. 

A 'Checo' lo conocí por casualidad, me tocó ver un anuncio de unas clases de cine gratis en la Universidad CESUN. Rápidamente le dije a mis amigos para ver quién se animaba a ir, aprender cine es algo que siempre he perseguido de una manera u otra. Esta era mi oportunidad para por fin ver un poco más de cerca esta manera de contar historias, de hacer arte. Pero no estaba preparado para la experiencia que me esperaba, me encontraría con uno de los profesores más pasionales que jamás ví impartir una materia en un salón de clases. Desde el primer día mientras nos contaba sobre la historia del cine, de los revolucionarios hermanos Lumiere, del visionario Georges Mèliès, o del virtuoso Jean-Luc Godard, me di cuenta que compartíamos un amor por el cine igual de intenso. Sentía que había encontrado un oásis, mis amigos se dieron cuenta por lo profusas de mis pláticas después de las clases. 

 

Después por cuestiones del destino dejé de tener contacto con él, nunca dejé de consumir cine, fueran de ficción o documentales. Hasta que por allá del 2008 que todos nos conectamos a redes sociales casi por osmosis, tuve la oportunidad de toparlo en un bar por el centro de Tijuana. Era obvio que él no me recordaba, pero sí que recordaba esas clases de Loops Urbanos que impartió a varias ávidas mentes de preparatoria. Yo no vivía en Tijuana en ese entonces, pero en el primer momento que lo vi en redes sociales, no dudé en hacer contacto por ahí para continuar siguiendo su conversación hacia el mundo. 

Una vez que me empecé a familiarizar más con su contenido, me di cuenta porqué es tan apasionado por el cine documental. 'Checo' Brown es un documentalista/activista que siempre se ha preocupado por problemáticas sociales tanto a nivel nacional como local. Si en algún momento he tenido instinto periodístico, éste nació por primera vez de una inquietud por preguntarle sobre sus razones detrás de esta pasión por hacer estas películas. 

Sobre la experiencia de dar el curso de tres días a alumnos que llegaron al CEART de Rosarito (yo incluido), 'Checo' abrió la entrevista dándonos una extensa explicación de cómo fue todo el proceso: "Isa, que trabaja en el CEART de Rosarito me propuso trabajar con ellos. Pero lo consideré hasta que había una nueva directora porque había tenido disputas políticas con el anterior director de la institución. En el año 2009 éramos facciones artístico/políticas contrarias, cuando a él lo nombraron director del CEART ni siquiera me quise acercar. Realmente nos pegamos con todo en aquel entonces, hubo 4 meses de manifestaciones, escritos, críticas, confrontaciones, fue un desmadre. El documental que trata de ese tema está por hacerse, entonces por eso no me había acercado."

"Cuando vi en el periódico que cambiaron de director, fue cuando decidí acercarme con un proyecto en tres facetas. Primero les propuse una conferencia para ir abriendo el tema, luego voy a dar una clase magistral y después, abrir un taller. Me dijeron que sí, en la conferencia fueron 15 personas y en el curso no esperábamos que fuera tanta gente. Para esta clase magistral esperábamos unas 18 personas y terminaron asistiendo más de 25."

"Dando este curso específico con este formato lo empecé en 2014 con un amigo que se llama Pavel Valenzuela, él es mi socio con el que tengo una compañía. Soy parte de una sociedad con Pavel, tengo otro proyecto con un amigo mío de la infancia sobre cine documental, y aparte tengo los proyectos externos en los que siempre he colaborado."

"Pavel fue mi alumno primero por allá del año 2000, después nos hicimos compas y yo le edité su tesis, que fue una video tesis. Después de ahí empezamos a hacer varios proyectos juntos, él se fue a estudiar su maestría en antropología visual a Barcelona un par de años y entre que se fue y regresó estuvimos trabajando tres documentales que se extendieron un poco porque se fue. Cuando regresó empezamos otros y fue ahí cuando CEART Tijuana nos hizo una propuesta para desarrollar un taller, antes de eso dimos un intensivo en el CUT, di otro en Transmedios. Esta es la quinta vez que doy este taller."

"La cinematografía es un campo que en esta zona del país no está tan trabajado, se ha estado construyendo en los últimos veinte años. Aquí en Rosarito tuve una experiencia muy satisfactoria. Yo creo firmemente que bajo el método que yo trabajo, cualquier persona que tenga la disposición de convertirse en artista documental lo puede lograr. Yo sostengo que bajo los métodos que yo trabajo, cualquier persona puede hacer buenos documentales. Yo tengo esa idea de que si un ser humano es capaz de algo, cualquier otro puede hacerlo. Incluso estoy convencido que muchos luego lo harán mejor que yo. Como primer reflexión, a mi me interesa que vaya gente que ya tiene un conocimiento previo, pero también me interesan las personas que llegan por ese impulso de conocer algo nuevo que probablemente siempre estuvieron buscando pero no habían podido conectar."

Sobre su decisión de irse por el lado más antropológico del cine documental y sus ideologías personales dijo: "Tiene que ver más con mi formación artística personal, las influencias que tengo, el tipo de pensamiento que he llevado. Esta forma de pensar tiene que ver con poder hacer una comunión entre mis intereses personales individuales y la comunidad. A mi me toca ser parte de un momento de la historia de nuestra región, en el cuál los proyectos de mayor trascendencia eran colectivos."

"Por un lado yo tengo una formación política de izquierda formada en particular por una escuela del movimiento zapatista mexicano de finales del siglo XX y principios del XXI. La irrupción del movimiento indígena en la política mexicana me hizo entender la distancia socioeconómica entre las clases en México y la desaparición por siglos de los indígenas. Ahí fue donde tuve una conexión muy importante con la gente que como decían los mismos zapatistas, no tenían voz."

Sobre el impulso de documentar injusticias a su criterio, 'Checo' expresó que: "Yo tengo muy claro que la historia es una confrontación de puntos de vista, entonces si me enojo por esa confrontación el que va a salir dañado soy yo. Durante mi carrera, he pasado por un proceso en el cuál me he tenido que desligar de lo personal. Lo que hago es conectarme con mis ideas sin importarme que haya conflictos o discusiones con el otro, todo eso lo veo natural en mi trabajo."

A cerca de la adrenalina de hacer documentales sobre temas tabú, 'Checo' mencionó que: "En el documental que he estado haciendo durante mi carrera, prácticamente he registrado los movimientos socio/políticos de la región donde no he tenido conflictos porque soy parte de los movimientos. Yo voy a grabar las manifestaciones en defensa del petróleo, voy a grabar las manifestaciones en contra de los fraudes electorales, grabo manifestaciones en contra de la desaparición de los 43 estudiantes de Ayotzinapa. De una u otra manera son grupos con los que siento algún tipo de afinidad, sí me ha arriesgado pero trato de no hacerlo."

También habló sobre haber probado la fama internacional, nuestro entrevistado nos hizo un recordatorio de los momentos más significativos en su profesión: "A lo largo de mi carrera he compartido mi experiencia con muchos amigos cercanos que a lo largo de 18 o 20 años, juntos hemos ido creciendo en el aspecto creativo. A lo largo de este periodo, he podido observar que ese movimiento ha tenido un cambio de pasar de las modalidades de representación clásica como las explicativas o expositivas; se han empezado a buscar las nuevas manifestaciones dentro del documental que viene siendo la docu-ficción aparte de las que mencioné."

"Este nuevo género permite adentrarse a ciertos modelos más creativos que permiten hacer ficción dentro del documental y esto a su vez amplían las posibilidades artísticas del realizador. En casi todos los jóvenes que me ha tocado apoyar, casi todos se quedan en el documental basado en la entrevista que tiene que ver con la historia de alguien más y no de ellos mismos. Pienso que los ejercicios autobiográficos como los que propuse en esta clase, pueden ser una forma de sanación psíquica. Esto se ha trabajado ya en el teatro, pero ahora en el documental va a empezarle a pasar a muchos realizadores como me ha pasado a mi, un cambio positivo. El mensaje que yo voy a dar es ese, tienen que hacer este género del documental porque los va a ayudar a cambiar. Si tú cambias a través del cine, no necesitas que alguien más vea tu película porque lo único que necesitas es cambiar tú."

Para poder ilustrarnos más sobre lo que hace, el señor Brown nos habló de uno de sus ya tres documentales que forman una trilogía: "Para poner un ejemplo, en el caso de 'Huracán 76'; en esta historia me voy viendo a mi al mismo tiempo que voy observando a la sociedad. Aquí voy planteando a través de una serie de discursos, la explicación de un entorno histórico/político en el cuál se desarrolla la vida de un personaje (que en este caso soy yo). Empezamos hablando del '68, hasta los movimientos políticos de los '70, hablamos del Zapatismo, de las luchas de resistencia en contra de los fraudes electorales y finalmente, hablamos del contexto contemporáneo de la imposición de Enrique Peña Nieto junto con la desaparición de los 43 normalistas de Ayotzinapa."

"Aquí las películas que son autobiográficas a su vez están inscritas en una circunstancia histórica que ubica al sujeto (mi historia), dentro de una sociedad. Yo como documentalista también, soy el que se ha dedicado a documentar ese proceso. Básicamente muestro imágenes que se van a convertir en registros de la Revolución Mexicana, esto quiere decir que la Revolución Mexicana no va a pasar dentro de 5 años, ya está sucediendo desde hace mucho tiempo. Esas imágenes en las cuales me inserto yo como documentalista dentro de una modalidad autobiográfica, creo que estoy dejando un testimonio para que estos hechos humanos no se desvanezcan en el tiempo o en el concepto de historia como decía Herodoto."

Presentación del libro 'Huracán 76'.

Presentación del libro 'Huracán 76'.

Sobre su nuevo documental Saicología, Checo nos muestra un lado muy íntimo de su experiencia de vida en el que ha tenido que luchar con varios de los más grandes obstáculos en su vida: "En términos generales, te puedo decir que es la historia de un escritor (yo mismo) que escribe un libro con ese nombre y en el proceso de la escritura va mostrando qué significa ser un escritor. Describo mi día a día como escritor, describo los detalles de todo lo que hago. A su vez soy un activista social que tiene colaboraciones artísticas con personas que son mis amigos."

Still del documental, 'Saicología'.

Still del documental, 'Saicología'.

"Saicología significa un viaje hacia mi interior, un viaje con la noche obscura de mi alma, con mi sombra más profunda. Este libro se detona a partir de una cosa terrible que me pasó: lo que pasó fue que en el entorno más cercano de mi familia hubo dos casos de agresión sexual a menores de edad que fueron encubiertas por mi hermana. La persona que cometió este delito de pederastia es su pareja, quien era mi cuñado pero ya no lo considero así, él agredió a su propia hija y a mi sobrina siendo menores de edad. Yo me entero de todo lo que pasó tiempo después, evidentemente no podía dejarlo pasar desapercibido tanto en lo emotivo como en mis pensamientos. Estos sucesos me llevan a la que ha sido la peor crisis de mi vida hasta ahorita, considerando que ya he tenido unas muy fuertes como la muerte de mi madre cuando yo tenía 21 años, o la muerte de mi padre cuando tenía 28."

La manera en la que me contó sobre estos sucesos tan fuertes y viscerales en el momento de la entrevista, me ayudó a conocer un lado más personal de 'Checo', me ayudó a darme cuenta de dónde viene esa inquietud interminable por contar historias de crítica social que logra transformarlas en relatos que pueden llegarse a percibir como muy íntimos o personales. La razón de esto es toda la experiencia que le ha regalado el haber perdido a personas tan valiosas en su vida a una edad tan temprana, pero también sentí que el tema central de Saicología era el más complicado para él porque las personas afectadas en el percance aún están vivas. Entonces me entró la inquietud de saber de qué manera había canalizado tal acontecimiento, después de la primer entrevista el documental aún no estaba terminado. 

Debido a esto, yo sentía que mi entrevista no estaba conclusa hasta que pudiera ver tranquilamente Saicología. Por suerte, para 'Checo' era importante que una persona fuera de su círculo social pudiera ver su producto semi-terminado para así poder agregarle cualquier tipo de arreglo o elemento que pudiera mejorar el filme. Unas semanas después, 'Checo' tuvo la cortesía de invitarme a su casa a ver el docu y no me lo pensé dos veces. Llevé un doce de cerveza artesanal de la Baja, y fui con toda la intención de cerrar un ciclo de entendimiento que me iba a permitir terminar este análisis del personaje que tanto me ha intrigado a lo largo del tiempo que lo he conocido. 

Me di cuenta que dentro de esta última pieza de la trilogía, él se adentró en definiciones y estudios que se encargaron de revelarle lo obscura que puede llegar a ser una persona. Dentro de la experiencia de filmar su día a día, o mejor dicho, noche a noche sin que los demás se dieran cuenta; el espectador del filme (en este caso yo), iba a poder definir la manera tan profunda en la que lo afectó este acontecimiento tan difícil de vivir. Pude ver a su familia más querida, que son sus amigos, compartir con él los momentos complicados después de este suceso y ayudarlo a aguantarlos de alguna manera, y superarlos al final. 

Pero a pesar de lo que podamos ver como espectadores, yo soy de los que piensa que en un estudio autobiográfico documental, el espectador realmente nunca va a comprender completamente el mensaje que el realizador desea transmitir. Para mi, los trabajos de este tipo tienen mucho que ver con la subjetividad, ya que no todos vivimos de la misma forma la experiencia de la vida. No todos los individuos experimentamos momentos exactamente iguales o similarmente traumáticos, comparado con otras personas; es por eso que cada persona va a tener una experiencia distinta cuando tenga la oportunidad de ver el producto. 

Durante la proyección de la película, me di cuenta de lo mucho que se adentra en el proceso a pesar de haberla visto ya miles de veces. Su proceso es el de ir viendo cada detalle para mejorar aspectos con cada proyección que le muestra a diversos espectadores, esto con la finalidad de nunca proyectar el mismo producto; a esta práctica se le llama cine vivo de acuerdo con 'Checo'. En la entrevista me quedó claro, que estamos ante un maestro del cine documental que ya ha probado las mieles del éxito durante su época con el colectivo de música electrónica llamado Nortec. La intención que tiene 'Checo' ya es distinta a la que tenía cuando era joven. Si bien el impulso por siempre tratar de compartir su conocimiento a través de la enseñanza sigue intacto, incluso más fuerte que nunca.

 

'Checo' se ha dado cuenta que él necesitaba una auto-exploración a través de su arte. Para él, la mejor manera de lidiar con los problemas personales siendo un artista, es haciendo cine y expresando su sentir por medio del arte. Para mi en lugar de terapia, puedo darme cuenta que él tiene más que suficiente con seguir manteniendo su ímpetu creativa en constante movimiento. A esto yo le agregaría su buena predisposición de protestar por injusticias que ve en la sociedad, una reacción natural que como seres humanos traemos en los genes, el problema es que algunos se distraen o anestesian al consumir productos que los alejan de la realidad en la que vivimos. Pero 'Checo' no se deja distraer, él sigue alerta y siempre dispuesto a levantar la cámara para documentar lo que considera importante. También, nunca está de más tener a tus amigos que te tiendan una mano cuando estás caído, que te puedan llenar de amor cuando más lo necesitas. El señor Brown está bien cubierto de todo esto, por eso sus productos contienen esa preponderancia. 

Le agradecemos a Sergio Brown Figueredo que nos haya compartido de una forma tan cercana su obra en forma de trilogía, también le agradecemos que nos haya compartido su amor por el cine documental y conocimiento. En una entrevista futura, trataremos de abordar más sobre sus aventuras con Nortec y los proyectos de Bostich + Fussible que en estos momentos están teniendo mucho reconocimiento internacional. 

Guillermo Arriaga, el ‘Cazador’ de las grandes historias

Foto por  CECUT

Foto por CECUT

Por Pavel Ibarra Meda

En la que sin duda ha sido unas de las experiencias más gratificantes de mi vida reciente, tuve la oportunidad de tomar una clase de guión cinematográfico impartida por Guillermo Arriaga. Para los que no sepan quién es, estamos hablando del escritor de grandes películas recientes como 'Amores Perros', '21 Gramos', 'Babel', 'Los Tres Entierros de Melquiades Estrada', entre otras películas de renombre internacional. Tuve la oportunidad de ver un anuncio de la clase en Facebook, sentía que ya era tiempo que peleara contra mi miedo de introducirme de lleno en la curva de aprendizaje cinematográfico. La clase fue impartida en el Centro Cultural Tijuana (CECUT). Les puedo confirmar que tomé la mejor decisión posible, ya que esta clase para mi sorpresa, no sólo era de guión si no de cine también. 

Lo que más se me grabó en la memoria sobre Guillermo, fue el desparpajo con el que aborda este proceso tan desgastante de contar historias. Supongo que para él, en lugar de quitarle energía, ver la reacción de la gente con sus historias lo llena de un flujo de positivismo que lo motiva a seguir. Su proximidad con un auditorio de más de cien personas me pasmó, ya que seguramente todos se sintieron identificados con la manera tan amena que Guillermo tiene para relatar cualquier cosa. También me impactó su desinterés por mantener todos los secretos y trucos que ha ido aprendiendo de cine para él mismo. Siendo una persona que ama el aprendizaje y la educación, entre más sepa el auditorio sobre sus descubrimientos, para él mejor. 

En esta clase me encontré con una persona que no sólo me quería enseñar sobre cómo escribir un guión cinematográfico, yo pensaba que iba a aprender cosas más técnicas para ser honesto. Guillermo está interesado en el paquete completo, como casi todos los directores mexicanos que han tenido éxito a nivel internacional. Éste maestro tiene un profundo conocimiento sobre dirección, lenguaje cinematográfico, actuación, escritura literaria, composición de una escena, e incluso se avienta uno que otro chiste de buena calidad. Todos los asistentes de la clase que duró alrededor de 10 horas entre dos días, estábamos agudamente concentrados en cada nuevo concepto que él nos quería compartir. 

Después tuve la oportunidad de sentarme junto a él y otros compañeros de la prensa, para poder entablar una plática más próxima y compartirles este artículo sobre mi primer experiencia con un guionista mexicano que triunfó en Hollywood. La principal intención de Guillermo aparte de impartir esta magistral clase, era la de promover su nuevo libro en la Feria del Libro en Tijuana: "Dirigí la película 'Burning Plane', que acá se le llamó 'Fuego'. Decidí meterme a escribir un libro que después de filmar la película fue complicado. Me metí a dirigir algunos cortometrajes porque sabía que quería escribir la novela y no quería aventarme a dirigir otra película antes de escribir la novela", nos dijo al inicio de la entrevista. 

Después nos compartió un poco sobre el logro que ha supuesto este nuevo libro que terminó siendo bastante denso (700 páginas), pero digerible: "Escribí 'El Salvaje' que ahora traigo a la Feria del Libro en Tijuana, me tomó 5 años escribirlo y la verdad estoy muy contento por la reacción que ha tenido la novela. Desde que este libro era un manuscrito se subastó en la feria de Frankfurt y varios países, ya está comprado en 10 idiomas. Va para su cuarta edición en México, va para su cuarta edición en España y acaba de salir en Argentina, Perú, y pronto estará en idiomas tan diferentes como el chino y el polaco.

"Se trata de una novela muy voluminosa, es una novela de 700 páginas que me tomó el 10% de mi vida escribir. Yo me estaba preparando para dirigir otra película cuando la historia de 'El Salvaje' empezó a decirme que si no la contaba me iba a ahorcar. En varias ocasiones he dicho que las historias que se te quedan te empiezan a oxidar el cuerpo, a envenenarlo. Entonces decidí escribir la novela, dirigiré cortometrajes entre medio para no perder el ritmo, no me alejé por completo del cine pero sí estuve concentrado en escribir esta novela", agregó.

Pero lejos del trabajo literario que nos ha venido a presentar, Guillermo es uno de los guionistas más exitosos en la historia del cine mexicano. Su trabajo en 'Amores Perros' le valió nominaciones a los premios de la Academia, después siguió con esta tendencia con impresionantes trabajos en '21 Gramos' y 'Babel'. A estos tres filmes, Guillermo los llama la trilogía de la muerte, ya que giran alrededor de experiencias personales en las que él mismo estuvo cerca de morir. Una reportera le mencionó que su trabajo daba la impresión de tener mucho que ver con el tema de venganza, él no está muy de acuerdo: "Más que venganza, mi trabajo trata de las diversas vías que tienes para llegar a resarcir el daño que te ocurrió, el camino de la venganza no siempre es el correcto. Yo creo que mi obra es más sobre esperanza y el amor más que cualquier otra cosa".

Guillermo también nos habló de la razón por la que él no sólo se enfocó en escribir cine a lo largo de su carrera y de paso criticó un poco a las temáticas más recurrentes del cine mexicano: "Yo creo que lo escrito es una parte importante de cualquier película pero no es toda la película, la virtud que ha tenido el cine es la virtud de poder contar historias que no son solamente sobre la ciudad de México. Si algo va a enriquecer al país, son las tantas historias que se pueden contar sobre México como país. Yo siento que el norte tiene que rebasar lo que hemos hecho siempre de migración y narcotráfico, el norte es mucho más que migración y narcotráfico. Por eso cuando hice 'Burning Plane' que es sobre la frontera, mi intención era hacer una película de amor entre gringos y mexicanos".

En especial, Guillermo habló de lo fuerte que es la influencia del norte en todo el país, él espera que salgan nuevos talentos a contar historias más variadas: "Yo que conozco muy bien el norte me parece injusto que sólo se hable de eso, no digo que no sean temas muy importantes la verdad, no hay norteño que no se tenga que enfrentar uno a otro. Pero los norteños son mucho más que sólo eso, yo quisiera que siguieran surgiendo historias de aquí del norte pero también quisiera que fuéramos a ámbitos donde no es la migración y el narcotráfico lo que guía las historias del norte".

Aquí fue donde me tocó preguntar dos cosas, la primera fue para saber porqué Guillermo no toca temas de ciencia ficción o fantasía. Su respuesta fue un poco desconcertante, pero también comprensible y muy respetable: "La ciencia ficción y la fantasía no es algo que me llame la atención particularmente la verdad. Cuando fui a Seattle con mi familia, hay dos museos que están uno junto al otro que son el museo del rock y el museo de la ciencia ficción; en el del rock estuvimos cuatro horas y en el otro menos de dos minutos. La única película de ciencia ficción que a mi verdaderamente me gusta es Blade Runner, en cambio estuve diez minutos admirando la guitarra de Jimi Hendrix".

Después tuve la oportunidad de preguntarle sobre el debate de Netflix que recientemente hubo en el festival de Cannes entre Pedro Almodóvar y Will Smith. Guillermo le dio razón a ambas figuras del cine internacional: "Yo creo que va a haber gente que quiere ver películas en su casa y habrá gente que quiera verlas en pantalla. La experiencia de ver una película en pantalla grande no es sólo eso, también es bueno poder compartirla en silencio sin que nadie te interrumpa. Es muy diferente ver una película en casa con todas las distracciones que hay, a estar inmerso en una sala cinematográfica".

Otra cosa que nos quedó clara, es que Guillermo Arriaga probablemente ha entendido que siendo un director de cine, sus historias son mejor contadas por él o por sus hijos que están teniendo mucho éxito recientemente: "De ahora en adelante sólo voy a trabajar con tres directores, yo y mis dos hijos, punto. O dirijo yo o dirigen mis hijos, ya no me interesa trabajar con otros directores. Mis hijos son muy buenos en lo que hacen, no es porque sean mis hijos pero mi hija fue seleccionada a Venecia hace dos años con un cortometraje que hizo, fue seleccionada entre 1400 cortos. No tuve la necesidad de cabildear, me llamaron de Venecia y me preguntaron si tenía una hija que se llama Mariana, me confirmaron que estaba entre los finalistas".

La experiencia de Guillermo en la clase que tuvo la oportunidad de impartir, es algo muy gratificante para él. Nos pudo confesar lo que significa para él, también nos compartió las ganas que tiene de que el norte tenga mayor presencia en el cine mexicano e internacional con temáticas novedosas: "En cuanto a la clase de guión y dirección de cine, yo trato de no guardarme ningún secreto. Hay compañeros que se molestan porque les digo algunos secretos, pero a mi me gusta ver buenas películas y leer buenos libros. Si yo puedo contribuir a que haya una mejor cultura mexicana, no veo porqué no compartir mis secretos de cómo contar historias.

"Yo espero que lo que estoy brindando acá en el norte les sea útil, que los destrabe y les permita tener más confianza en ellos mismos. A veces esto nada más es un problema de confianza en ellos mismos, siempre hay miedo al fracaso, a la crítica, a equivocarse, miedo a bloquearse a la hora de escribir. Lo que yo estoy tratando de decirles es que no pasa nada si fracasan, no pasa nada si los critican, pero sí pasa mucho si no lo haces. Es mejor que te digan que es una mierda lo que hiciste, a que te digan que es buenísima tu idea pero nunca la hagas. Entonces yo les recomiendo que apuesten, no creo que pueda pasar algo malo realmente. No es como que son neurocirujanos a los que un paciente se les puede morir por cometer un error".

Para finalizar, Arriaga hizo un paréntesis cuando le preguntaron sobre el estado actual del cine mexicano: "Estoy muy contento con las películas taquilleras mexicanas que hay ahora. La verdad no es el cine que yo haría, no es el cine que a mi me gustaría hacer. Pero estoy muy contento con que Derbez se meta millones y millones de dólares con sus películas, estoy muy contento con todas las películas taquilleras. Cualquier película que tenga mexicanos y haga taquilla, a mi me hace muy feliz. Porque al contrario de lo que muchos piensan, a mi no me parece una vergüenza ese tipo de cine, me da mucho gusto que se realice. La verdad qué horrible sería que todas las películas fueran como Amores Perros, eso me parecería espantoso. Ojalá haya gente que hiciera buena ciencia ficción y fantasía en México, quiero ver más thrillers mexicanos también. Ya hacemos muy buenos dramas, estamos empezando a hacer comedias bobas pero taquilleras, eso me alegra mucho que exista".

No cabe duda que haber asistido a esta clase fue una experiencia muy importante en mi vida como escritor, tengo relativamente poco tiempo contando historias de corte periodístico. Antes tenía la idea errónea de que los periodistas no estaban capacitados para escribir guión cinematográfico, Guillermo se encargó de acabar con esa noción y me alentó a comenzar a escribir. Como bien dijo él, nadie de los que estábamos en la sala durante su clase tiene talento para escribir guión. Pero esa no es razón para que nos tengamos que rendir sin antes tratar de escribir una historia, gracias a él, ahora puedo aventarme al ruedo y comenzar a contar mi historia. ¡Gracias 'Cazador'!

Foto por  CECUT

Foto por CECUT

Harakirina, retratos que nos llevan al presente distópico

Por Pavel Ibarra Meda

Es muy curioso que hasta ahora me haya tocado ponerme a resolver este puzzle de una artista que me presentó algo que realmente no conocía, el autorretrato. Justo en el día cuando hay una marcha de mujeres en Estados Unidos, todas unidas para reclamar los derechos que por ley les pertenecen. Gritando a los cuatro vientos un estilo que en los años 90's aún se veía distante, ese futuro ya está aquí para darnos a todos una cachetada que nos deja la mejilla roja. Una representación perfecta de la mujer fuerte e irreverente que está tomando cada vez más forma en el patriarcado eterno que nos invade en el mundo, un ejemplo que comenzó hace décadas y ha ido evolucionando hasta regalarnos esta trabajada artista que a lo largo del tiempo desde que comenzó a confeccionar sus retratos, ha sufrido diversas transformaciones en paralelo con el mundo. 

Sus obras al principio logran ser más impactantes para el ojo de una persona que no acostumbra ver tantos símbolos en una sola composición, la combinación de colores chillantes neón me dieron una sensación de que estaba viendo un filme ácido dirigido por Danny Boyle, pero congelado en el tiempo describiendo el poco sutil feminismo que el día de hoy ya se confunde con muchos conceptos. Pero Harakirina (Iria Onieva, Vigo) es una de las más fervientes representantes de esta corriente filosófica. Pensar que lo único que hace es tomarse retratos sin antes preparar cada detalle, sería perder el hilo de lo que está tratando de transmitir. 

Por suerte, Iria fue paciente y con mucha gracia nos concedió una entrevista en la que nos explica su razón de producir este tipo de expresión en una entrevista exclusiva para Kinofilia. 

Kinofilia.- ¿Cómo se define el tipo de arte que haces? 

Harakirina.-  En realidad no le encuentro una definición como tal, es un impulso en un momento determinado mediante el cuál canalizo mis circunstancias de vida. En varios adjetivos lo definiría como : Trash, Girly, Punk, Cinematográfico, Surrealista, Retrofuturista, Cutte, Kitch, Nostálgico, introspectivo. Pero sobre todo muy estético.

Kinofilia.- ¿Qué nos puedes contar de tus inicios como artista y datos interesantes de tu vida que te han traído hasta aquí?

Harakirina.- Comencé hace unos años a fotografiar muñecos que yo misma customizaba y mutaba, les hacía fotos y después los deformaba con un efecto del paint. Cuando me puse con el tema del autorretrato, ha sido como de hace 2 años y en serio este último año cuando volví a mi ciudad natal. Al tener tiempo y un espacio, empecé a invertirlo en esto. Me utilizo a mi misma como modelo porque las sensaciones que me invaden y sentimientos que quiero plasmar, son algo mío e introspectivo. Además que me gusto como funciono y supongo que ser hija única y estar acostumbrada a jugar sola también tiene su razón en todo esto.

 Kinofilia.- ¿Cuáles son los cambios más fuertes que has sufrido desde que empezaste a dedicarte a este tipo de actividades

Harakirina.- Los cambios han sido vitales, nunca había tenido muchas motivaciones artísticas. También a causa de tener siempre que trabajar en mierdas, además la fiesta que me pierde, ha sido como una linea de fuga de tiempos un poco vacíos a tiempos llenos de ilusión y creatividad.

Kinofilia.- ¿A dónde te gustaría llegar en un futuro con este tipo de expresión artística?

 

 

Harakirina.- En realidad es algo en lo que no pienso, no tengo nunca una visión de futuro a largo plazo en ningún ámbito de mi vida en general. Yo vengo del Punk ,NO FUTURE! Si tengo un futuro en esto, él se encargará de mi.

Kinofilia.- Platícanos sobre tus influencias más fuertes. 

Harakirina.- Sobre todo el cine, Wong Kar Wai, Jim Jarmusch, Asia Argento, Ken Loach, la Nouvelle Vague, Harmony Corine, Kenneth Hunger y así un largo etc.

Kinofilia.- ¿En qué se relaciona el mundo globalizado como lo conocemos ahora a lo que haces?

Harakirina.- Soy un producto del mundo globalizado, del internet, de la precariedad, la soledad, las drogas y elementos de consumo que utilizo como atrezzo.

Kinofilia.- ¿Crees que este mundo globalizado es bueno para la raza humana? ¿Porqué?

Harakirina.- No rotundamente, no estamos preparados para la era tecnológica capitalista. Bueno, ya se están encargando de ello pero como seres orgánicos nos están deshumanizando con el entretenimiento. Sobre la tecnología pienso que necesitamos una educación antes de ser conejillos de indias primero.

Kinofilia.- ¿Qué es lo que deseas transmitir con tus presentaciones?

Harakirina.- Dejo una visión abierta, cada uno que interprete lo que sienta con ello, no tengo un mensaje cerrado.

Kinofilia.- ¿Qué relación tiene el sexo con lo que haces tú, en qué beneficia a tu arte y en qué lo perjudica?

Harakirina.- Sí transmito sexualidad porque es algo que forma parte de mi y de todos, puede tener también mucha carga política como el empoderamiento a través de diferentes feminidades subversivas.

De momento no cobro beneficios ni sufro prejuicios, de todas formas hace mucho tiempo que deje de vivir para los demás, eso me importa nada, sus prejuicios. No quiero ser aceptada por la sociedad hipócrita y normativa, no me interesan esas mentes.

 

Kinofilia.- Platícanos cuáles son tus planes a futuro y dónde te ves en 10 años.

 

Irina.- Pues no lo sé, todo se ira dando. De momento seguiré creando y aprendiendo. 

 

Después de poder conversar un buen rato, he podido concluir que Irina es parte de un movimiento que tiene ya más de una década gestándose, en el que se están formando muchos de los artistas que nos podrán regalar nuevos estilos dentro de todos los géneros de la expresión. Este tipo de retratos son el vivo ejemplo de ello, un collage que amalgama todo lo que ella ha experimentado y consumido a lo largo de su vida, que al mismo tiempo es una crítica social del mundo en el que nos ha tocado vivir. Un mundo que cada vez parece más una distopía que la realidad, a veces pienso que probablemente, este mundo puede que sea el infierno de otro planeta que no conocemos. Irina me ayudó a darme cuenta de eso, ya que todo es posible si uno es capaz imaginarlo como ella. Gracias. 

 

The difference between Marvel and DC in film

By Tom Spiegel

Warner Brothers needs to create the DC Cinematic Universe and make it as successful as the Marvel Cinematic Universe and yet they still haven't been able to figure out a way to tell good stories in the few films they have done. This is the never-ending story with the old DC vs Marvel rivalry, the same one that has been going for the better part of the last 80 years. Just as DC had the upper hand for decades because they started early in comic books, Marvel started their cinematic universe as a whole earlier than DC and their success has triggered an urgent reaction from the heads of Warner Brothers studios. 

The red flags have been presenting themselves for the better part of the last decade, the head of Warner Brothers, Kevin Tsujihara, has been considered the main person responsible for this poor representation of DC comics in the last three films they have produced. Since the Nolan Batman films, there hasn't really been a comic book movie produced by this company that can rival the frequently good films Marvel Studios have given to the public. We got intel from someone on the inside about the turmoil inside the studios that usually makes film directors clash with executives. 

The latest red flag was Ben Affleck, who just confirmed that unless the script for the new Batman movie is good, he won't take part in directing the solo film. Geoff Johns' latest tweets in which he makes his wishes for 2017 and doesn't even mention the Batman movie was another red flag. The executives are obviously still trying to micro-manage all the movies and by consequence, they have managed to sabotage them, just like they did with Batman V Superman and Suicide Squad last year. They may have the animated movies all figured out, but they still lack the skills that Kevin Feige has at Marvel Studios where they mostly get home-runs. 

The reasons for this recent problem with Ben Affleck could be a few. The most frightening one is that Affleck and Jones don't agree on the script. The other one is the most obvious, which is the studio heads are nosing in to try and modify the story that Jones and Affleck were so excited to tell just a few months back. The year 2017 will be key for what DC movies has in store for us because despite making good money out of the 2016 flops, they still haven't lived up to the expectations of the die-hard comic book fans. Our source at DC believes that the main problem is Tsujihara and the sooner he steps down from his position at Warner Studios, the better. 

Photo by Ben Affleck Twitter

Photo by Ben Affleck Twitter

Here at Kinofilia as movie fans and comic book enthusiasts, all we can hope is that Wonder Woman and Justice League are amazing movies that make up for the 2016 disasters. We hope Affleck and Johns are still in good terms and if the studio heads are the ones interfering with the project, we beg them to let the specialists do their job. We are not rooting for one side or the other in the DC vs Marvel rivalry, we want both to be as amazing as they are in comic book form. So please do what you can to make us, the fans, happy with the material and not frustrated. 

Geoff Johns with the legendary Frank Miller

Geoff Johns with the legendary Frank Miller

CURATED BY GIRLS- WHEN YOU CURATE WITH YOUR GUT

Laetitia Duveau aka Little Voice 

Laetitia Duveau aka Little Voice 

By Sonia Alcaina Gallardo.

Curated By Girls is an online platform that aims to promote diversity, equality and respect with a high dose of heart and optimism. Ingrained in a philanthropical vision of humanity, the project is all-inclusive; any gender, color, generation, or ideology is featured. Waving the flag of freedom, CBG is taking over Berlin, spreading beauty and openness. 

Over a cappuccino in her favorite café in the vibrant Berliner neighborhood of Neukölln, we spoke with co-founder Laetitia Duveau, also known as Little Voice. We talked about her projects, her dreams, about love and freedom, and about her purple jacket. 

 

Born in France, Laetitia moved to Berlin only six months ago where she is now based working on her music and curating the Curated By Girls’ 2nd IRL show, "POSTER BOYS".  This second IRL show will take place in Neukölln in the same studio as the previous show, “freer in Berlin,” at Blender & Co., on November 12 & 13, 2016. This time, the show features unreleased works by Joseph Wolfgang Ohlert, a 25 year old analog photographer who plays with portraits of gender ambiguous men. His 1st book “Gender As A Spectrum” is a stunning released example of his work.   

'Poster Boys' by Joseph Wolfgang Ohlert, Second IRL Show by CBG

'Poster Boys' by Joseph Wolfgang Ohlert, Second IRL Show by CBG

Kinofilia: Probably nobody asked you this before, What was your initial motivation when you decided to found CBG?

LD: It’s the first time somebody asks me this! I became a curator by accident in a way because my friend Ophelie Rondeau, photographer, came up with this idea to put up a website about diversity together. She asked me “do you want to get on board with me?”, and I immediately said YES. For me as a musician, the whole idea sounded very interesting. I was kind of focused on my music all the time and struggling with my own projects so I thought “why not try something different and put myself outside of the box that is my musical career?”

Our aim was to promote art that we liked without checking if the artist behind it was a young or old person, a boy, a girl, or a transgender person, famous or not. The idea was to create a platform where everyone could be represented, no matter who they are. 

Kinofilia: I like about your project that you go far beyond the limiting traditional idea of feminism by choosing to exhibit all gender’s art, and not only female artwork as it happened in the late 60’s with feminist art. How do you think that this ‘New Femininity’ story should develop in the future?

LD: I think we need to restructure the traditional pattern we followed until now where the alpha male was the one in control and owned the power to decide. I considered we needed to get rid of those old ideas and start to promote a new kind of feminism where both men and women are included, where men are allowed to be as masculine or feminine as they like, and vice-versa. I’m open to human beings; I welcome humanity as it comes and as it fancies to be. I work for diversity, for acceptance. New femininity must be more than words or debate. It has to be a bigger project than just a philosophy. I have decided not to focus on what's wrong in our society, just because we can't be well adjusted in a profoundly sick society like ours that is fostered by ego, money and power. There is a long way to go if we want to change this, but we need to stay positive. I am a positive person and I believe we have to support everyone and stop fighting between us. What I see is more & more communities fighting each other more and more. I prefer to see the beauty in every one of us. Just stop a second what you are doing and just enjoy whatever is around you! Just observe. That is new femininity to me.

Kinofilia: Trends have the power to influence the future of femininity. As an anecdote, before World War II boys wore pink as a lighter version of red and its connotations of power, and girls blue. It was only when the American newspaper The Sunday Sentinel advised mothers in 1914 to “use pink for the boy and blue for the girl, if you are a follower of convention” that the whole game changed to what we know now.  Considering that even gender is cultural, do you believe that we are actually changing the way we look at sexual orientation and gender socialization? 

LD: Ha, ha, ha, this is so funny! I decided to avoid the pink for our logo and go for the blue instead and now I just found out I am actually being conventional. Everything is so relative if you think about it. Answering your question, I truly believe we are indeed changing things by being more open to different categories of gender, accepting gender fluidity. But we are still so late! We need to learn a lot about acceptance and deconstruct what has been imposed before.

Kinofilia: This part becomes personal now, on a scale from 1 to 10, how dangerous would you consider the effect of Barbie dolls on the perpetuation of these distorted gender roles? 

LD: Danger! I would say the main problem here has to do not with Barbie dolls but with the parents of those children who are being given the toys. I would blame Barbie with a five. I remember once that I was working on a Teddy Bear shop with beautiful vintage stuffed animals and this two year old boy came with his parents and had a crush on a pink Chihuahua. The mother was shocked of embarrassment and tried to persuade him to take another animal, apparently more boyish. I though certain kind of parents are sometimes the ones to blame by trying to turn their children into whatever ideal they have in mind. The reality is that these children are individuals with their own feelings and personalities, and these character threats might not be what the parents expect them to be. 

Kinofilia: You are a musician who decided to curate art. What is the most challenging part of curating this project?

LD: It’s definitely the time managing. These days I spend so much time on the curating that I barely have time for my music. I’m trying to manage with both but the reality is that I am a perfectionist and I want to do things right, that means that sometimes you have to make some sacrifices. Another challenge about curating is having to deal with some artist’s ego. It can be tiring.

Kinofilia: What are your main criteria when you pick up the artists to exhibit? 

LD: I could say I curate with my heart and with my guts. I’m not denying that quality is for me an important issue but I mainly take honest and authentic proposals. Sometimes I receive series from some artists who are still a bit naïve in their conception but if I perceive that there is something genuine and pure in their works, I would definitely wanna feature it. I wanna share art that touches my soul.

Kinofilia: Somebody quite smart told me in art school that there are three stages in art: provocation, surprise and emotion. Most artists remain in the first two, limiting themselves to merely provoke or surprise with their art; few go further and try to create an emotion in the viewer. Do you think that is important for an artist, to connect with their audience? What are the parameters by which you distinguish good art from the pile of junk out there?

LD: I would say the precious feeling of being in front of a sincere piece of art is everything. It is hard to tell, I am not an art critic myself but I consider an artist has to create from the depth of his/her guts in order to be true to oneself. That he/she/they have something to say, whatever it is but has something inside tryin’ to say something. No just ego stuff and self-masturbation. I agree there's a bit of provocation, surprise and emotion in the work process. But art is not about making money or recognition in the first place. It is a therapy. We made it a business and that's when things went wrong. Good art is sincere. Have you noticed that some music doesn't get old? It's just because it is sincere, coming from the bottom of your heart.

I don’t judge imitation; I think it’s cute. It shows that this person is getting through. That is almost there. Most of the times you need to imitate in order to find yourself and anyway. Nowadays almost nothing is original. 

CBG first IRL Show 'Freer in Berlin'

CBG first IRL Show 'Freer in Berlin'

Kinofilia: Have you ever thought about making art yourself? Do you think that there are feelings or states of mind that only music can translate? 

LD: I’ve been a bit forced to do some videos, some editing here, some artwork there… When you don't have a team working for/with you, you have to do everything yourself from songs to videos, logos, artwork. So I am touching a bit of this too. 

Since I was very little I was involved in arts, maybe because of the fact that I am very shy I loved spending time drawing and doing stuff just for fun. 

Art is for me very susceptible to create emotions, which are the real purpose of it. Music would be more like a trip from one emotion to another, and transports you easily from happiness to gloom in about seconds. But it really depends on how the receiver gets touched by it, whether it is music or art.

Laetitia Duveau by Sonia Alcaina Gallardo

Laetitia Duveau by Sonia Alcaina Gallardo

Kinofilia: I read in another interview that the article, “Arriving at the Berlin State of mind,” from I Heart Berlin, made you name your first exhibition “Freer in Berlin.” What do you think that Berlin has that other cities lack? 

'Freer in Berlin' first IRL show by CBG 

'Freer in Berlin' first IRL show by CBG 

LD: I came across that article by Keith Telfeyan about Berlin and I thought it really described what I felt about this city and its freedom.  I contacted Keith and asked him if I could use his article for my first IRL Show “Freer in Berlin” and he agreed, which was great. Berlin is a capital city like New York, Paris or London, but what makes it different it’s his approach to money. There is not too much money in Berlin. Berlin is poor but sexy, but this is not an issue. It is exactly the opposite, the lack of money, of this commodity, it’s precisely what makes it such a creative city. Very often, money kills inspiration; it makes you take things for granted. In Berlin people come and experience and share with others, they take time to find themselves. It’s a very international and multicultural city. It’s a shame that is starting to grow so fast already like every other city. You can feel that is happening here too what happened with NY, and people try hard not to succumb to the monster of capitalism and keep the “Berliner vibe” as long as possible. 

Kinofilia: In that interview for I Heart Berlin, you also talked about two philosophical matters:  love and freedom. “Love is freedom” were your words. It is a curiosity that in both our mother tongues, French and Spanish, “liberté,” or “libertad,” respectively, come from the latin, “libertas-atis,” but the English word, “freedom,” comes from an Indo-European root meaning, “love.” What it is even more paradoxical, is that the same root is at the same time used for the word “afraid.” Now, somehow that makes sense to me, how scary being in love can be! How do you think that our society can overcome this fear of love that limits us so much, and become “freer” in Berlin, in Paris, in Shanghai…?

LD: This is so curious! Language can be sometimes so surprising! What I believe is that we are most times too focused on our own egos, on ourselves, and we should stop being so selfish and have a look around. I think we are afraid of falling in love because we thing people have to love us back. We fear rejection and abandonment when we should overcome this fear and be the one who loves instead. We shouldn’t wait for others to love us to be able to love.  That is the real freedom I would say.

Kinofilia: Tell me about your purple jacket. I heard many stories already, but I want to know what it means for you. Did this jacket become your freedom jacket? Your fear-free jacket? 

LD: Oh! My purple jacket! Yes! I had to leave it back in France. I wore it way too much! It became in fact a symbol for me. It represents a state of mind. I refuse to wear black all the time, which in Berlin is a must, but I just love colors. I don’t do things to please others; I want to be myself. That is what this jacket is about. The story is that I was enjoying my night with some friends in France and this girl came and said to me, “I have to tell you, your jacket is disgusting.” I could tell she was a bit drunk, but that was no excuse. I felt bad, not for myself, but for her. She might have been very sad to say something like that to another person. I was a very shy person by then, I am still am, but I somehow arrived to this peaceful place where I feel free to be myself and wear whatever I fancy. I have been a unicorn for a year, almost, and it is amazing. 

It is great satisfaction to be able to do what you want to do without caring of what other people think. That is what many people fight for, to be respected, but who cares! The most important thing is to respect yourself!

Kinofilia: Visiting the show “Freer in Berlin” the past 8th and 9th of October, I enjoyed seeing how many artists actually sold some pieces.  I thought that you did a good job as a curator because the affordable prices of the pieces were coherent with the kind of audience attending the exhibition. In that sense, it was indeed, as your entire project claims to be, very honest. Are you gonna keep on working in this line? 

'Puta' by  Julia de la Torre  

'Puta' by Julia de la Torre 

LD: What I am trying to do is make art more accessible. The artist is always the one who sets the prices, the one in control. I always give them my advice though, and that is how we created this line of work. I work with emerging artist and we try to keep it as I mentioned, affordable and honest for everyone. 

My vision is to give access to Art to everyone in the most pleasant way possible. 

Kinofilia: Is there any future dream you want to share with us? 

LD: I have many of them! I would love to go with CBG around the world. I would also love to keep on working on my music and eventually touring worldwide too. It is all about work and dreams. For now, I will try to keep on helping artists to get more exposure. 

Starstruck

Image by  Sabina Espinoza

By Tom Spiegel

Something happened today, it was swift and sudden, somewhat unexpected. I met a truly connected human, someone who knows exactly what life is all about. It's about listening to your gut, going against all kinds of specified preconceptions of the world, doing what you think is best not just for you but to your surroundings as well. That someone will remain as a mark I won't be able to shake off my mind even if I wanted to, I'm blessed for being able to breathe the same kind of air this person does and I've never been starstruck in the past. That's not something I usually do, but I have a feeling in my gut, that this person will be one of the greats. 

She is boldness, she is greatness personified, she will be a personality for the ages, she is the muse every artist craves during their lifetime, and yet she is an artist filled with grandeur herself. She does what she wants, when she wants and doesn't take shit from anyone, that's what makes her one of a kind with no regrets. She struck me good tonight, hoping I can remain close to her for as long as she has me. This is not a declaration of anything, these are just facts. I've been starstruck today, that never happens to me, my ego never allows it but today I made an exception. Thank you for this.

LAPSUS

Texto y fotos por Marcela Manuel

 

El olvido de los olvidados

Casas del olvido

En donde el olvido vive

En donde el olvido recuerda, evoca, alude, permanece, invoca, rememora

Abandonarse al olvido

Trozos de olvido

 

Lapsus

Espacial

Arquitectónico

Estructural

Temporal

Dimensional

Animado

Errata

Omisión

Espacio fallido

 

Lapsus

Equivocación que se comete por olvido o falta de atención

Espacio frustrado

He estado en esos lugares en donde antes las bardas y paredes no estaban

derrumbadas, colapsadas ni grafiteadas.

He estado en esos lugares en donde antes el suelo no estaba cagado ni orinado.

He estado en algunos de esos lugares en donde antes olía frescura y ahora se

respira pura peste.

Solo sé que antes, ahí pasaron muchas y tantas cosas, seguro hubo vida, y

mucha. Seguro. Ahora aún hay vida, pero de esa vida que apesta, que duele y

enferma.

Son espacios que persisten, pero necesitan ayuda, así como las personas que de

repente acuden a refugiarse dentro.

Son espacios ignorados por la mayoría y habitados por la minoría.

Son espacios de grandes dimensiones, que alguna vez fueron suntuosas

estructuras, y ahora son refugio de la muerte que quiere seguir viviendo en algún

lugar antes de morir. Sí, porque la muerte también muere….O si tiene suerte, ¡que

alguien la rescate y se acuerde de que existe!

¡Que alguien se acuerde de ella y la redima!

Alejandra Uzárraga: El dedo índice más rápido de la frontera.

Por Pavel Ibarra Meda

Aquí en Kinofilia, nos jactamos de ser amantes de cualquier tipo de movimiento que provoque una expresión artística o cultural que tenga un significado profundo. Puede ser el movimiento de las cuerdas bucales cuando una persona canta o declama, puede ser el movimiento de de una mano al pintar, de los ojos al imaginar un encuadre, una pieza de danza ritualística que provoca al ejecutor perderse consigo mismo. En el caso del día de hoy, es el movimiento de un dedo, que como yo disfruto moviendo mis dedos al escribir, esta persona disfruta utilizando su dedo índice  y aventurarlo a capturar momentos que se inmortalizan para la eternidad. 

Ella dice que le gustan mucho los paisajes y en verdad son hermosos, pero el talento que ha desarrollado para capturar personas en retratos, es uno de los más detallados que me ha tocado ver en mis limitadas aventuras por este mundo tan extenso de la fotografía. A ella tengo la fortuna de conocerla desde hace varios años y siempre he sabido lo talentosa que es. Su dedo salvaje la ha llevado a las frías montañas de Alaska, e incluso a formar parte de un equipo de trabajo que retrató a uno de los mejores cineastas del momento que por casualidad, también es mexicano.

Ella nos ha dado la oportunidad de explorar un poco más de su trabajo y nos ha dado la gran oportunidad de conocer un poco de su gran trabajo. En esta entrevista, podremos conocer un poco mejor a la persona, sus gustos y aficiones que están relacionadas con las artes visuales en general. Ella se llama Alejandra Uzárraga. Aquí la entrevista, disfruten. 

Kinofilia: Primero que nada me gustaría saber cómo es que te enamoraste de la fotografía, cuáles fueron tus primeras experiencias con una cámara.

Ale UzárragaDesde que era niña me llamaba mucho la atención los sentimientos que te puede ocasionar o transportar a un lugar con tan solo ver una imagen. Mi tío tenia una colección muy grande de National Geographic, él me sentaba por horas a ver los paisajes, retratos, historias, etc. Fue desde entonces que mi curiosidad por la fotografía despertó.

Kinofilia: ¿Qué influencias tienes dentro de la carrera que has decidido llevar?

AU: Ansel Adams, desde que comencé con fotografía análoga, siempre fue una inspiración para hacer fotografía en blanco y negro y paisajes. A pesar de tantos fotógrafos dedicados a paisajes y blanco y negro, su técnica y composición en lo personal, sigue siendo única.

 

Kinofilia: ¿Qué concepto tienes sobre la expresión artística?

AUUna manera de expresar emociones, pensamientos, sensaciones e ideas para mi y compartirlo con los demás. En mi caso plasmadas visualmente. 

Kinofilia¿Cuáles son tus tipos de expresiones artísticas favoritas?

AUFotografía, pintura y cine.

Kinofilia: Cómo fue tu experiencia en Alaska cuando viajaste?

AUIncreíble e inolvidable. No fue fácil tomar la decisión de dejar familia, amigos, especialmente salir de tu zona de confort. Lo que me llevo ahí principalmente fue para seguir creciendo como fotógrafa y mi portafolio en paisajes. Cuando estoy en una rutina marcada y en el mismo lugar por mucho tiempo dejo de ver la diferente belleza que tengo a mi alrededor y por lo tanto muere la inspiración. 

 

Aquí la página web de Ale Uzárraga

Aquí su página de Tumblr

Aquí su perfil de Facebook

 

No tengo palabras para describir lo que sentí en tener tanta naturaleza alrededor, ver tantos animales en su hábitat natural, poder haber estado en lugares que solo veía a través de blogs y/o revistas, conocer tanta diversidad de paisajes y capturarlos para después compartir no solo el lugar, el sentimiento de paz y tranquilidad que esto puede llegar a ocasionar. Me siento muy agradecida y orgullosa a la vez por haber tomado esa decisión y es algo que totalmente recomiendo.

Kinofilia: ¿Cierto que trabajaste para la revista Gatopardo? ¿Cómo estuvo esa experiencia?

AUSí, fui asistente de Luis Garcia, un gran fotógrafo de Tijuana y San Diego que gracias a él mi experiencia en estudio ha crecido bastante desde que terminé mi formación. Nunca había estado en una sesión teniendo de modelo a un artista y director que admiro mucho  que en este caso fue Alejandro Iñárritu. Estaba muy nerviosa al principio, pensando en que la podia regar o tropezarme con algo y tirar todas las luces (risas). Pero conforme fue pasando el tiempo, la sesión fue como cualquier otra, me enfoqué en lo que tenía que hacer y también ayudó mucho la humildad y cooperación de Alejandro con nosotros. Estuvo muy divertida y me ayudó mucho esa experiencia para mi curriculum. 

Kinofilia¿Qué prefieres fotografiar, personas, animales, paisajes, qué estilo de fotografía es tu preferido?

AUDefinitivamente paisajes, siempre lo ha sido.

Kinofilia¿Cómo consideras que se encuentra el trabajo para un fotógrafo en el país? ¿Hay buenas oportunidades?

AUEn mi opinión, siento que es difícil tener un trabajo fijo como fotógrafo o freelance donde estés, cada vez hay mas competencia ya que el equipo es mas económico y fácil de conseguir. No es necesario estudiar la carrera para tener hacer trabajo y a veces los clientes no aprecian el talento, conocimiento y habilidad de poder tomar una foto, por lo tanto es difícil cobrar lo justo (sobre todo en ciudades que no son metropolitanas). Oportunidades siempre hay, todo depende a quién conozcas que te pueda guiar o presentar una buena y muchas (al menos hablando sobre mi experiencia). 

Kinofilia: ¿Dónde te ves en un futuro? ¿Cuáles son las metas relacionadas con tu carrera?

AUUna de mis metas siempre ha sido viajar y vivir de eso. Quiero seguir inspirando a gente a hacer lo mismo, que viajen, que salgan de su zona de confort y tomen decisiones espontáneas, riesgos, no tener miedo de fracasar a través de mi lente con paisajes e ir compartiendo el camino que me lleve a cada lugar. 

Esperamos que hayan disfrutado tanto de la galería que nos pudo proporcionar Ale, como de lo que nos pudo compartir de sus experiencia en esta rama de las artes visuales. En Kinofilia deseamos que tenga todo el éxito que ella busca, también nos encantaría poder colaborar con ella en cobertura de eventos al norte de México y sur de California. En la parte de abajo, les compartimos sus páginas web y página de Facebook donde podrán ver más de su trabajo y contratarla para cualquier tipo de evento. La mera crema con esta muchachita. Gracias por la entrevista Ale!

Una foto no se toma, se hace.” - Ansel Adams

Mexican Art = Felipe Zaldivar

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Por Mike Torres

Felipe creció en un ambiente artístico pues varios familiares se dedican a la rama, al ser su madre maestra de artes se desenvolvió en un contexto lleno de materiales con los cuales a veces jugaba. Su primer encuentro con clases de pintura fue en el parque Colomos en donde tomó aproximadamente un año del curso. Al aburrirse de la rutina lo dejó. 

No fue hasta después de 10 años cuando en preparatoria con clases larguísimas y sumamente aburridas comenzó a dibujar, tomándole un gusto como nunca antes. Continuó haciéndolo y pronto se vio inmerso trabajando con el acrílico sobre canvas, fue entonces cuando descubrió el trabajo de Alex Grey y supo que quería pintar y crear el resto de su vida. Hoy la pintura con acrílicos aunque con altibajos, como todo, sigue fielmente a su lado.

Para entonces, Felipe no veía a la pintura más que como un hobby, algo a lo que quería dedicarse en la vida pero no profesionalmente, pues no creía que pudiera trascender; intentando por varios lados como la orfebrería contemporánea, el diseño industrial, la escultura, la fotografía, el video etc. Se dio cuenta que nada lo llenaba como las artes, y pasara lo que pasara siempre encontró refugio detrás de los pinceles. Hoy en día es su profesión.

 

Ha trabajado en colectivos como Cabezas Cuadradas y Arte En Tu Ciudad, ha participando en festivales como el Metting of Styles Guadalajara 2015 o Vinylfest en Larva. También trabajó con LaPetite colectivo de Q.Roo con los cuales tuvo la oportunidad de exponer tanto en Cancun como en Miami, EU. Ha expuesto en diversos puntos de la ciudad, Kukuruchos entre las más importartes. Hoy en día cuenta con dos exhibiciones individuales y aproximadamente 15 colectivas.

Actualmente estudia la Licenciatura en Artes en el Instituto Cultural Cabañas por parte de la Secretaria de Cultura Jalisco, con la intención de tener un sentido crítico de lo que propone, para poder expresar y llevar su contenido hasta las últimas consecuencias.

CTM FESTIVAL 2016 18th edition: New Geographies

Si existe una ciudad que de cabida a un festival con un formato como el de CTM, esa ciudad es Berlin. De hecho podría decirse que el festival nació para Berlín, para una ciudad que resurgió de sus propias cenizas a través del movimiento musical y cultural que se estaba gestando a la caída del muro.  Numerosos edificios abandonados retomaron su utilidad como clubes nocturnos, templos del techno y de la transgresión, donde la ciudad reivindicó su derecho a expresarse por fin libremente.

CTM nació en 1999 en el club María en Ostbahnhof, (Estación de tren del Este), el ahora llamado Yaam, en el barrio de Friedrichshain. El festival por aquel entonces llamado “Club Transmediale”, nació bajo la premisa de servir como soporte al “Transmediale Festival”, tal y como se mantiene hoy en día, y tenía, tiene como misión arrojar una nueva visión al incipiente desarrollo de diferentes prácticas artísticas nacidas en el seno del movimiento electro-techno, la cultura clubera y las artes de los nuevos medios. Esta primera edición del CTM llamada “10 Tage an der Schnittstelle von Bild und Ton” (10 Dias en la Interfaz del Sonido y la Imagen) estuvo organizada por Jan Rohlf, Marc Weiser, Lillevan Pobjoy y Timm Ringewaldt, con la colaboración de Oliver Baurhenn y Remco Schuurbiers. El festival se siguió desarrollando en los años siguientes con la excepción del año 2001, en el cual se suspendió por falta de fondos económicos, y siendo la edición de 2014 “Dis Continuity”, año en el que el festival celebró su 15 aniversario, la que registró el mayor éxito de su historia con una audiencia de más de 25.000 espectadores y 200 artistas participantes de 33 países.

La edición de este año, “New Geographies”, como su propio nombre indica, explora en profundidad las nuevas topografías híbridas surgidas en el marco de la globalización, así como la expansión de sus bordes y las consecuentes reacciones de resistencia que está propagación ha suscitado. Durante los diez días en los que transcurre el festival - más eventos que emanarán de él en los meses consecuentes-, los asistentes disfrutaron y disfrutarán de conciertos, exposiciones, talleres, instalaciones, discursos y la intensidad sonora de la escena clubera berlinesa. Bajo la supervisión del co-curador Rabih Beaini en cuanto a programa musical se refiere y a Nororient (Network for Local and Global Sounds and Media Culture) encargados de las exposiciones y las discursos, esta decimoséptima edición del festival pretende acercar a artistas y creadores de países con menor atención mediática. Este año como en años anteriores, el festival se desarrolló a lo largo y ancho de Berlín, desde clubes como el mítico Berghain/Panorama Bar hasta salas de exposiciones como Kunstquartier Bethanien y contando por primera vez este año con Werkstatt der Kulturen.

Para establecer en la medida de lo posible un mapa dónde se desarrollaron la mayor parte de las discursos, exposiciones y conciertos deberíamos dividir el festival en cuatro secciones temáticas diferentes, por un lado, la homónima “New geographies” en la que podríamos englobar las manifestaciones musicales, o “adventurous music” como los organizadores prefieren referirse a las prácticas musicales y artísticas del festival. Prácticas que más allá de poder denominarse “electrónicas”, al menos musicalmente hablando, fluctúan hoy en día en un limbo en el que la música electrónica misma está influenciando prácticas analógicas contemporáneas y viceversa, enriqueciéndose mutuamente la unas a las otras. Por otro lado, encontramos la exposición y serie de discursos “Seismographic Sounds. Visions of a new world” que se desarrolló en la sala Kunstraum Kreuzberg/Kunstquartier Bethanien. Allí pudimos ver la obra de 250 artistas de más de 50 nacionalidades, mayormente concerniente a las posibilidades o limitaciones que la globalización y la digitalización están agregando al mundo del arte y de la música. Esta serie de obras nos muestra la versatilidad a la que el mundo de la cultura está expuesta en la era de las redes sociales e internet. Bajo el nombre de “Rituals” encontramos en HAU2 la obra del artista Vincent Moon, una serie de videos que exploran el concepto del trance en diferentes culturas modernas a través de un viaje sonoro y visual embriagador. Por último, y cabe mencionar, como uno de las atracciones principales del festival, encontramos la intalación del artista Christopher Bauder y el compositor Robert Henke “Deep web”, que tuvo lugar en Kraftwerk Berlin, y en la que los asistentes pudieron disfrutar de una experiencia sonora y visual sin precedentes. Esta intalación creada con sistemas de láser a gran escala, se compenetró perfectamente no sólo con la música con la que estaba coreografiada, sino con el edificio mismo de Kraftwerk creando diferentes tipos de figuras geométricas que fluían dentro de su propia luminosidad.

Como comenté al comienzo del artículo, CTM podría considerarse lo que Robert Irwin creó en los 70 para referirse a obras de arte concebidas para un lugar en concreto, “Site specific”, en este caso, podría decir que el CTM es un “site specific festival”, creado por y para Berlín y en el que el asistente puede saborear la esencia misma de esta ciudad camaleónica.

Como artista y asistente puedo decir que considero que para entender Berlín en profundidad, es necesario conocer su escena musical y artística, en definitiva lo que le da el sello de identidad tan especial a esta ciudad. Creo que la labor del festival CTM va mas allá de la de ser un mero festival artístico-musical, para convertirse en una seña de identidad, y así mismo en un lugar de reflexión sobre las sociedades contemporáneas. Como uno de sus creadores, Oliver Baurhernn, afirmó “Music is an interesting seismograph of societal changes, politics, and how we as societies deal with these changes. That’s why these themes are quite important to us.” (La música es un sismógrafo interesante de los cambios sociales, y políticos, y de cómo nosotros, como sociedades mismas lidiamos con estos cambios).

“Seismographic Sounds. Visions of a new world”

“Seismographic Sounds. Visions of a new world”

En esta edición pudimos ver una gran carga política y no es de extrañar, con la crisis europea y más concretamente en Alemania de la inmigración, los creadores del festival abrieron las puertas a la experimentación, a la reflexión sobre esta crisis y a la realidad de un mundo cambiante que de igual modo se refleja en la música y en el arte. Pudimos ver una gran cantidad de artistas y de manifestaciones artísticas no provenientes de occidente, del lado favorecido del mundo, sino que los que asistimos pudimos saborear el debate, el cambio al que el mundo contemporáneo se está viendo sometido, a las sacudidas que nos están haciendo poner miras más allá de nuestro ombligo, de nuestra parte del mundo conocida, para considerar no sólo otros puntos de vista, sino también otras formas de arte. De algún modo Joseph Beuys ya habló de acercar el arte a la vida, que es y ha sido siempre un problema filosófico, liberar al arte de su peso y convertirlo en algo efímero, como la vida misma, como el día a día, se pone aquí de manifiesto más que nunca. Y es que el festival aún sacando de nuevo a la luz teorías del siglo pasado, es de una actualidad arrolladora.

“Seismographic Sounds. Visions of a new world”

“Seismographic Sounds. Visions of a new world”

Una de las ideas que más me rondó la mente paseando por Bethanien, dónde como mencioné anteriormente pudimos encontrar la serie de exposiciones y discursos “Seismographic Sounds. Visions of a new world”, fue el concepto de “Aura”. De hecho encontré en una de las salas un poster dónde se hablaba en concreto de ello. A lo largo y ancho del recinto se pudieron ver “corta y pegas”, loops de conocidos videoclips, extractos de canciones famosas que los artistas reinterpretaron e hicieron suyos. ¿La idea subyacente? No viene a ser nada nuevo, el concepto de aura se perdió ya en los albores de la invención del cine, hoy en día sólo vemos su manifestación más extrema cuando los “nativos digitales” usan a su antojo obras de otros, las retocan, las trastocan y las hacen suyas, despojándolas así de cualquier indicio que pudiera quedar de su “aura”. Como ya predijo Walter Benjamin en el siglo pasado, a las obras se les quita su autenticidad, se las despoja de su halo y de su condición cultual para convertirlas en un objeto de masas, se las emancipa de su ritual para dotarlas de una mayor visualidad. En la era de la globalización no es de extrañar que esta sea una de las prácticas artísticas más proliferas, y es que cuando el arte se libera de su parte ritual la parte política sale a flote inminentemente. Estas prácticas como el festival nos muestra, no son para nada dañinas, sino que dotan a la obra de una dimensión participativa, se crea una colaboración directa o indirecta propiciada mayormente por el acceso a internet.

“Seismographic Sounds. Visions of a new world”

“Seismographic Sounds. Visions of a new world”

Hasta ahora como pudimos leer a lo largo de la exposición, eran sólo los niños ricos los que tenían mayor acceso a la música, pero gracias a este fenómeno de apropiacionismo participativo las cosas están cambiando. “The Internet and pirated software have totally changed the power dynamic inglobal music in the Arab World and else-where. It’s not only the rich kids who speak anymore. The best example is the rise of the Egyptian dance music from the streets, called mahraganat, in the years 2006 and 2007. It has become the omnipresent sound-scape of Cairo, flying out of every micro-Shopping, every taxi and every tuc-tuc.” (Internet y la piratería han cambiado por completo las dinámicas de poder en el mundo árabe y en todas partes. Ya no son sólo los niños ricos los que tienen la palabra. El mejor ejemplo es el desarrollo de la música egipcia de baile en las calles llamada mahraganat en los años 2006 y 2007. Se ha convertido en el omnipresente sonido de escape del Cairo, volando lejos de cada micro-Shopping, cada taxi y cada tuc-tuc) Nos cuenta Maha ElNabawi, editor del libro “Seismographic sounds”.

Si hablamos de “aura” y “apropiacionismo”, nos remitimos a su vez al arte conceptual. La artista serbia Svetlana Maraš con su obra "Matter of Fact" despuntó en cuanto coherencia y adecuación con las premisas del festival. Con una composición basada en “corta y pegas” de clips y otras obras expuestas en el festival, analiza la relación texto-música desde una perspectiva totalmente innovadora. Para Maraš, el texto es la columna vertebral de su obra y no los clips o la música, introduciendo en una pequeña caja una palabra, el espectador cambia la música y los clips que se proyectan en una pantalla. Esta palabra contextualiza en sí misma la obra, pero no dotándola de sentido alguno, como ocurría en las obras de Jenny Holzer o Barbara Kruger, sino todo lo contrario, la palabra y todo lo que la rodea, pierden su significado o ganan uno absolutamente absurdo.

“Rituals” del video artista Vincent Moon y proyectada en HAU2 a modo de instalación multipantalla, nos muestra un recorrido a través del trance en distintas culturas, y es que el artista viajó alrededor del mundo para investigar in situ rituales de ayahuasca en Perú, trance en Brasil o sufismo en Chechenia. Más allá de ofrecer un punto de vista crítico o analítico, Moon, nos acerca a la cultura de un modo despojado de todo prejuicio, nos deja el camino libre para que experimentemos lo que él probablemente sintió al infiltrarse entre estas gentes. Nos permite sentir, que no interpretar, y eso es algo que no muchos creadores consiguen. Se alternan los cantos, los zumbidos, los gritos, el viento, la conexión que nos une a todos en esencia, las imágenes se superponen en la pantalla.

 

Por último, y pese a haber aún muchos más artistas que me sorprendieron gratamente, me gustaría mencionar la atracción principal del festival, “Deep web” de Christopher Bauder y Robert Henke. La estructura luminosa que formaba estas olas estaba compuesta de 175 esferas luminosas y 12 sistemas de lásers que se compenetraban a la perfección con el edificio de Kraftwerk. Como suele pasar con los clubes berlineses, un club no es meramente un club, sino que es un compendio arquitectónico e histórico que además contextualiza el sonido que ahí dentro se genera. Kraftwerk es uno de esos clubes que aúnan a la perfección una estructura sacada de una película cyberpunk y una acústica de ensueño. Si a todo esto le unimos la magistralidad con la que ambos Bauder y Henke pusieron en escena “Deep Web”, tenemos una experiencia visual y sonora cercana al surrealismo que todos alguna vez en nuestra vida deberíamos experimentar. Para aquellos curiosos que tengan la ocasión, la obra se exhibirá en Lyon en diciembre de 2016.

CTM pese a ser la antesala de otro festival  “Transmediale”, no dejó con mal sabor de boca a los amantes de la música y el arte experimental, es un festival concebido para pequeñas audiencias, y es así como sus creadores prefieren mantenerlo. Al final y al cabo, pese a no existir un arte aurático hoy en día, aún podemos decir que ciertas manifestaciones se mantienen en la esfera de culto. Esta es una de ellas.

* Como guinda del festival, y a modo de eco, el 12 de mayo en Berghain podremos asistir a Polymorphism con Tim Hecker, Wolf Eyes y We Will Fail.