music festival

Get Amped up for Halloween with our Minimal Effort, All Hallows Eve Mix

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Written by Robin Nguyen

This Saturday, October 28th, Minimal Effort is once again delivering top-notch talent to the LA dance scene at its 4th annual Halloween installment, All Hallow's Eve, which this year features Claptone, MK (Marc Kinchen), Damian Lazarus, Dusky, All Day I Dream's label head, Lee Burridge, and many others to chill your bones and possess your soul (melodically speaking). We've created a playlist below to give you a taste of the artists' sounds.

This year the event will be held at ENOX events in downtown LA, at a sprawling industrial space that will span one indoor factory dance floor and an outdoor stage to host all your ghoulish delights.

Set times below, so whether you plan to join the Dead Garden or hit the Masquerade, look alive and make sure you have a haunted, hell of a time. Tickets and VIP table packages are available at 

Check out our special Spotify playlist below:

Thundercat slays the San Diego Observatory

Photo by Ben Magana

Photo by Ben Magana

“When it rains it pours…”


By Ben Magana 


Stephen Bruner is a thirtysomething artist that goes by the professional name of Thundercat, and he is a hell of a bass player amongst anything, to begin with. At their latest gig in San Diego at North Park Observatory, Thundercat displayed the commanding authority they have proven on the contemporaneous music scene through their impeccable third album, Drunk, released early this year. The album was a full collaboration in both songwriting and production with maverick producer/artist Flying Lotus. The album (its vinyl release is a delightful 4-10’ 45-speed discs on a Vaporwave-inspired artwork featuring lots of gold and technicolor felines. The music is a journey across a timeless landscape that appears to morph with each pluck Thundercat himself executes on his six-string electroacoustic Ibanez bass guitar. Across tales of an approval of everyone’s hatred of friend-zones, everybody’s secret envy against cats and a plea from the musician’s help to some of his heroes, literally, being these 70’s pop icons Kenny Loggins and Michael McDonald. Over the way the album presents such detours on which versatile performances by such current artists such as Kendrick Lamar, Pharrell and Wiz Khalifa. A groove-based set of twenty-odd songs, it definitely is among the best albums of the year, if not the decade. 


The main DJ from Los Angeles’ club The Low-End Theory delivered an engaging opening DJ-Set (in vinyl, mind you) where he set a party charged mood over the sold-out crowd that rapidly gathered. Upon Thundercat’s arrival upon that stage the crowd went wild and thus he quietly uttered the five words that kickstart Drunk and mayhem ensued in the audience. As usual in all recent concerts I have attended, none of which has been a rock concert as I have frequented more Hip-Hop and R&B music in the last few years, a thunderous mosh pit gathered beside me, as I was on the front-right side. Thundercat had two musicians with him: a keyboard player whose name I do no recall, but he had a stack that included an old Moog synth, a current huge Korg and a Yamaha electric piano. The other musician, the drummer Louis Cole, was a human drum sequencer, as he was armed with a totally acoustic drum set and sounded like any Ableton Live beat anybody could concoct. Some time over an hour after they begun their astral set of music, where many of the tracks were elongated into real moments of Bebop between the three musicians, creating a vibrant delivery of scales in fast velocity that for moments entranced the audience and caused even the last skeptic to embrace the soothing virtuosity coming across from those speakers upon us. 


The musicians left the stage and we, I was clapping hard and yelling for more as well, clamored incessantly. The guys returned shortly and went into a 10-minute Bebop jam that left us once again in a state of zonked paralysis even if fully sober, which I was. Lots of pot was smoked inside, the crowd was mostly people in their twenties and although I was among the audience, there was a lot in intercommunication between us and the band, a feeling that has survived the turbulent times we are in, and on the contrary, there was a feeling of union and goodwill among everyone, all through the wonderful music we all stumbled across. As the show ended and I got to digest the experience, it was clear that Thundercat and his two musical sidekicks on this tour carried a torch that was once carried by rock musicians of the past. In one of his wry and sometimes humorous banter in-between songs, Bruner commented on how the video of Soundgarden’s Black Hole Sun made him and his brothers storm the TV set, being that the show was played the day after Chris Cornell passed. This to me was symbolic over anything else, that this is our time, where musicianship and showmanship, worked with what were once rock instruments, this magic sound that keeps us going. Excuse me, I gotta go play the “Drunk” record again.


Review and photos: Parisa Mahdad

It was a mellow night at Projective Space last Friday for an end of summer rendition of Sofar Sounds NYC. The last week of summer was upon us and many of our city compatriots had left for more relaxing places in advance of Labor Day.

Matty Rico set the #mellowvibes with his minimalist hip hop set up.  He fronted the mic, and his friend, Bobby, manned the Moog.

The artist’s inaugural Sofar set began with the song "3am." The majority of the song’s musicality was comprised of ambient quality chords on the Moog. Rico rapped the verses and sang the chorus, which was equally straightforward- “You can be a star tonight. Let’s just keep it real.” 

Rico is most influenced by Kanye West and Most Def with other less obvious artists, such as Elliot Smith and Atmosphere, also finding their way into the landscape of his music.

In "Daylight," Matty Rico broke away from the traditional hip hop elements of heavy beats instead opting for a happy-go-lucky sound. Matty Rico even picked up a tambourine while the audience collaborated with claps and snaps. Bobby played the electric keys and sang back-up vocals. The subject matter of "Daylight" was nicely contrasted to its uplifting musicality, Rico rapping verses about the challenges of everyday life before hitting the song’s hook in resolve, “I’m on grind to keep the lights on. You can’t stop this shining…I won’t wait for daylight to save my soul.”

"Same Clothes" incorporated an electronic track from Rico’s laptop as well as live bass by Bobby. This was a crowd favorite of Rico’s set as it explained anecdotes around why he was wandering in the same clothes as last night. The lyrics and rhymes left me laughing…and blushing. I’d love to detail some excerpts from his lyrics, but I must refrain. You know, in case my parentals ever read this thing.

Rico is able to oscillate between light-hearted tales and more serious, impactful subject matter. As an artist, he is serious in his music and performance but can also crack subtle jokes between songs. Bobby also balances the stage with his happy go lucky presence and constant big smile. Matty Rico and Bobby met in the Chicago area 7 years ago and have managed to continue the musical connection in Brooklyn and other parts of the city. 

Rico ended his set with "Always," which was written for the artist’s dad. It’s a livelier song featuring more production in the electronic track and featuring piano chords from the Moog. The verses detail the hardships of his father’s life before the chorus repeats “And this goes out to you.”

The night’s second act was Sonia Seelinger, an official Gibson artist who was visiting from her native Las Vegas. It was the artist’s first time visiting New York and her first Sofar Sounds show. The artist serenaded us with songs off of her EP entitled Songs on a Shelf.

The artist’s sound is heavily influenced by Bossanova. Her fingerpicking and string plucking could easily be at home in a Woody Allen movie or in any European café on a summer night.  

The artist’s first song, "Cinnamon Skin," speaks to the mind’s flirtations with an irresistible lover. Jazzy, classical guitar picking frame suggestive lyrics, “Cinnamon skin on my mind all of the time. Tell me how can I resist.”  

In addition to her guitar skills, Seelinger has a flawless voice. In "Tongue Tied," Seelinger’s voice is clear and effortless. She is able to fluctuate between high and low with ease- her voice never strays from its lovely, birdlike ring. Her songwriting is strong with lyrics such as “Stumbling over my words trying to be prophetic but my attempts are pathetic against your poetics. You’ve got me tongue tied.“ The artist’s comfort on stage allows the audience to also settle in and swim into her sound.

The artist’s last two songs complemented each other. “This one I wrote on a rainy day,” she prefaced, introducing her song, "Carousel." Inspired by the challenges of a long distance relationship, Seelinger’s fingerpicking is the foundation for regretful words and melancholy, the artist singing “Did I say the things that caused you grief? So now we only speak in my dreams.”

Seelinger’s last song, "The Girl," is an ode to being alone. Seelinger introduced the song with a final word to us all- “You’ve got to love yourself before you love another person,” which was met by loud applause from the audience who expressed their overwhelming consensus. It’s as if we had all felt the dark side of love and loneliness, doing the heavy lifting of picking ourselves up on our own, living to hear this song together.

In Seelinger’s smooth, easeful ways she sang, “I was going to be the girl who could it by herself and never needed anybody’s help, but what can I say, you swept me away.”

Seelinger is part bohemian, part new age sage imparting her old soul wisdom between songs. As she ended her set, she left us with, “I’m here to help you change your mood.”

And the mood certainly did change. If the audience was in for a mellow night, that was all about to be magnificently disrupted with Manatree, a four-man band from Richmond, Virginia. The band took a while to set up and sound check, but they still managed to exchange laughs and improvised electric guitar riffs between themselves in the interim, which grew energetic anticipation amongst the audience. For the first song, 3 members sat down, leaving Jack to take the stage on his own, opening up with an original solo song. 

His song, "Anges," felt like real rock. Emotion flowed from his voice, his eyes were closed and the muscles of his throat visibly strained in that emotional rock and roll kind of way.  It was just Jack and his guitar. His band mates were sitting right in front of me taking sips of their beer and mouthing the words to the song casually as he sang, “Every fucking engine in my life has brought me under.” There was support but also genuine enjoyment from his band mates.

When Jack completed the first song, he introduced the band and invited them up to take the floor for "Got It." The song began in minimalist fashion with Alex on drums hitting his sticks onto the rims of his drum set. Noma, the bassist, joined in from the start too.

The song was one verse that vocalist, Tristan, sang twice. Tristan has a Mick Jagger quality to him, animated and unpredictable on stage- swaying his arm to his hip or shouldering up with a band mate. He has attitude but he’s not afraid to smile while commanding the stage, singing lyrics such as “I do what I want to. Breakthrough.” Jack always keeps his composure on stage- he’s serious about the music. He joined in on harmonies during the chorus while keeping rhythm on his guitar. The song ended with Tristan unexpectedly scatting into the mic.

"Scuffle Town" begins with a dark intro as Tristan picked up his guitar. Sharp percussive hits from Alex come into the song as the bass adds an elongated heaviness. The song was meant to be slow and heavy. Harmonies leading up to the chorus are reminiscent of Local Natives especially with the drums building momentum into the chorus. Intricate interludes between lead and rhythm guitar frame verses that are straightforward and universal- “I love you always but you always fuck him.” The song ends with Tristan screaming key words as beautiful harmonies contrast his raw expression for a dramatic ending to the song.  

Each member of Manatree has an individual style in a way that contributes to a common solidarity to the band. There is a stoicism and yet a playful connection between the members. Seven years of playing as a band has earned them this connection, the ability to spontaneously read each other’s next move as to move accordingly, react to one another, in one succinct performance.

The band’s first self-titled album was released in 2015 and is true to their alternative rock core. Manatree is in the process of finishing up their sophomore album, which incorporates more electronic explorations in the vain of Frank Ocean.

Manatree’s final song of the night, "The Words," exhibited the best parts of Manatree- the band is serious but laid back, well rehearsed but not scripted. Vocals and a high- pitched guitar motif start the song. Heavy bass from a Korg synth and sharp drums build the pressure of the song. The bass is distorted which is a nice contrast to the clean, high-pitched guitar line and high cymbal accents. Pop and electronic elements pervade this perfectly produced song.

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The highlight of the night was the finale to this song, which ended in pure rock fashion. Alex and Tristan hit heavy chords timed and played succinctly with Noma’s heavy live bass. Noma added a kick in the air during a break in the progression.  Tristan’s hat flew off allowing his hair and one long earring to thrash in true rockstardom before the instrumentals all crashed to silence for a dramatic ending.

"The Words" was the last surge of summer. Its abrupt ending would mark the denouement of summer in the city. Nothing could top such a wild band or such an intense song. The crowd did not linger. Rather they departed the space in quiet understanding that they had a final week to unwind before the city’s autumnal energy slapped them back to New York’s addictive tough love.  


Alpha+: Techno análogo y saltarín de Guadalajara para el mundo

Photo credit:  Tino Design Photoflash

Por Pavel Ibarra Meda

Cuando yo llegué desde Tijuana a Guadalajara para pretender estudiar algo o hacer algo de mi vida, llegué con toda la viada que trae un chamaco de 19 años que quiere comerse el mundo y tirar toda la fiesta que le fuera posible. Mi fresca cabecita apenas había conocido el concepto de la música electrónica y realmente aún no sabía distinguir entre un género y otro, solo la disfrutaba. Recuerdo vagamente que antes de entrar en este mundo y antes de corromper mi cabeza con substancias psicoactivas, mi primer viaje experimental con esta expresión musical fue a bordo de un taxi escuchando todo el Involver de Sasha bajo el calor abrazador de la frontera. 

Pero al viajar a Guadalajara no tenía ni puta idea de lo que me esperaba, una ciudad llena de diferentes sabores y sensaciones dentro del mundo de la música electrónica, que comparada con Tijuana era un auténtico dragón de mil cabezas. Fue donde conocí los varios géneros y variaciones desde todos los subgéneros del trance, los subgéneros del house, el electro y el techno. De todos hay variaciones por las cuales caí perdidamente hipnotizado y hasta el día de hoy sigo enganchado de su belleza e ingenio. A mi siempre me ha gustado un track que tenga melodías bien estilizadas, pero que tenga una atmósfera que te provoque mover el bote, o por lo menos ese típico movimiento de cabeza cuando disfrutas un buen "eargasm". 


Fue en la ciudad de Guadalajara donde conocí al buen Migue, una de las personas con el intelecto más desarrollado que logré conocer ahí, dando apenas sus primeros pasos del camino que lo trajo a presentarse por primera vez en el mundialmente famoso Boiler Room de la ciudad de Guadalajara, organizado por el siempre confiable Bar Américas, meca de la música electrónica en México. En los últimos tiempos de la mano del señor Ramón Gonzalez como el principal promotor, se han dado a la tarea de voltear a ver los talentos locales más llamativos y les están dando salida al público poco a poco. Migue es uno de los primeros en darse a conocer con su Live Act llamado Alpha+.

Pero tenía años que no veía a Miguel, con él siempre tuve conversaciones ricas en cultura y noté que ya tenía ese gusanito productor que lo llevó a poner a brincar a todos los presentes con su tecno análogo saltarín. Un ritmo que me hizo recordar mucho viejo videos de fiestas en Detroit que llegué a ver en youtube, donde tocaban DJ's con discos de vinyl. 

Inmediatamente después de ver el stream en vivo volví a ponerle play al video de lo tanto que me gustó, estaba gratamente emocionado por Miguel por el nivel que ha alcanzado, pero para nada sorprendido. Él es capaz de hacer esto y seguir evolucionando, quién sabe hasta donde llegue pero no creo que tenga límite. Lo contacté para que nos diera la oportunidad de entrevistarlo para Kinofilia y con gusto aceptó, desde acá le mandamos un abrazo y le deseamos todo el éxito que seguramente tendrá. Disfruten de esta entrevista para que lo conozcan un poco más como artista. 

Photo credit:  Tino Design Photoflash

1.- ¡Qué onda carnal! No te pude decir muy bien lo que pienso de tu live en Boiler Room pero puedo decirte que no soy el único al que le gustó, solo me gustaría saber algunas cosas al respecto. La primer y más lógica creo yo, es saber. ¿Entre qué estilo o sub-géneros de la música electrónica consideras que está tu estilo?

R.- Raw Techno, (techno crudo con grabaciones o instrumentos análogos que "ensucien" o exciten la señal) y variantes del House.

2.- Me gustaría saber cuál es la diferencia entre los que hacen su live solo poniéndole play a su lap top y lo que tú hiciste ahí, porque lo tuyo fue totalmente distinto a lo que está acostumbrada la gente que te vio. Siento que no todos logran comprender lo que lograste ahí. ¿Cómo lo explicarías?

R.- El sistema de mi live act se basa en cadenas MIDI, donde se escoge un dispositivo maestro (en este caso un secuenciador análogo Electribe ESX1) que manda tanto la información de notas, como información de tiempo (bpm) a los demás instrumentos o sintetizadores por medio del lenguaje MIDI. Todos los demás aparatos están conectados vía MIDI al dispositivo "maestro" y quedan "esclavizados" al mismo.

Photo credit:  Nuevecinco

Photo credit: Nuevecinco

La diferencia entre un live act de laptop, es que están centrados y ejecutados desde un DAW (Digital Audio Workstation como Cubase, Logic, Ableton, etc.) y es la computadora quien realiza todas las secuencias y en muchos casos los mismos sonidos que integran un track por medio de instrumentos virtuales (VSTi's). Pocos actos en vivo integran instrumentos físicos en la interpretación, pues la comodidad de tener todo un estudio dentro de una laptop ha facilitado que se pueda prescindir de hardware y de sintetizadores físicos.

En mi live, yo voy haciendo las secuencias, mezclando cada uno de las pistas que integran un track mandando información de notas a los sintetizadores, además de contar con una caja de ritmos para las baterías. Para poder presentar mi acto necesito llevarme un sampler, un secuenciador, una caja de ritmos y al menos un sintetizador.

No creo que usar hardware o software defina la calidad de tu música, cualquier camino que te ayude a llegar al sonido que buscas es lo que importa. Oh! y lo más importante! Muchos cables MIDI y un MIDI splitter jajaja.

3.- ¿Cuáles son tus influencias más fuertes en música?

R.- Los Chemical Brothers, Legowelt, Jeff Mills y Kink entre otros. Sellos favoritos: Lobster Theremin, Unknown to the Unknown, 1080p, L.I.E.S., Opal Tapes, etc.

4.- Platícanos un poco tu opinión sobre la escena local y cómo crees que ha evolucionado mientras has estado presente. 

R.- La escena local creo que apenas está volteando a ver a todas las grandes propuestas que están surgiendo de la escena under, hay productores, sellos y netlabels por todo el país haciendo cosas de muchísima calidad y muy interesantes, gente como Siete Catorce, Fonobisa, Arp y AAAA (por mencionar algunos). Ellos tienen varios años haciendo música y puliendo su sonido, cosolidando propuestas excelentes y muy apreciadas en la escena internacional, el mexicano empieza en creer en el talento local,  sin embargo sigue habiendo mucho malinchismo y "cangrejismo" en la escena. Como bien dicen, "nadie es profeta en su tierra". La gente prefiere pagar un cover muy alto por ir a escuchar las mismas propuestas viejas y los promotores le apuestan por traer artistas ya conocidos que le aseguren ganar dinero, es decir ni el asistente ni el promotor se arriesgan en apoyar talento local. 

Por hablar de un caso, el sello mexicano NAAFI que tras varios años de carrera está recibiendo la proyección mundial que merece (EU, Japon, Chile, Argentina, etc.) y en México la gente empieza a reconocerlos también. Creo que la época en la que los Dj's y productores buscaban sonar como artistas del viejo mundo o sonar como tal artista norteamericano, está muriendo. Una escena mexicana donde no se busca imitar sino desarrollar una identidad propia o un sonido propio está naciendo. Creo que el modelo del DJ-productor rockstar está bastante gastado, hace falta que los principales bares y clubes del país tengan más apertura e incluyan otros géneros dentro de sus recintos y alejarse un poco de la fórmula (a mi parecer obsoleta) del Tech House y el EDM. 

5.- Sobre la escena internacional. ¿Qué cosas crees que han cambiado o evolucionado?

R.- Creo que la tecnología, las nuevas plataformas y las redes sociales han logrado convertir al usuario o al melómano promedio, en un activo creador de contenidos (prosumidor), por lo que ahora es más fácil poder crear tu propia música y poder posicionarla y comunicarla a través del internet.

6.- ¿Dónde te ves de aquí a 10 años dentro de la escena?

R.- Me veo teniendo lanzamientos en sellos nacionales e internacionales, así como en los sellos del subsuelo que admiro y que inspiran mi sonido.

7.- ¿De dónde viene el nombre Alpha+?

R.- Proviene del libro "Brave New World" de Aldous Huxley.

Muchas gracias por este espacio de tiempo que te has dado para atendernos, tienes puntos muy interesantes en los que has logrado articular una crítica importante que seguro llegará a los nervios de muchos que se creen la crema y la nata de la música electrónica en México. Por suerte en Guadalajara hay gente interesada y comprometida con exponer a los talentos emergentes, me dio mucho gusto haberte visto en ese live stream de Boiler Room. Dejaré tus links para que la gente te escuche y te conozca mejor, hasta pronto y buena suerte. 

Soundcloud de Alpha+

Facebook de Alpha+

Aquí el live completo de Alpha+ en el Boiler Room

Lightning In A Bottle 2016

Lightning in a Bottle 2016


Bradley, California. What’s in Bradley, California? Aside from the hills, cows, and endless roads… oh yeah, the greenest festival in America. For the third year in a row, Memorial Day weekend in Bradley is home to the Do Lab’s, Lightning in a Bottle (LIB). It’s so much more than the music here, you have yoga and meditation classes, the Learning Kitchen, and so much art. Part of what makes the experience unforgettable are the hippy lovin’ vibes. As camp was set up, crossing bridge after bridge, giving high fives to strangers that seemed like best friends… we knew for four days we were back at home.


Driving four and half hours from Los Angeles as we pass through rolling hills and seas of grape vines, stomachs filled with butterflies as we come to a halt. As cars are quickly passing through, we arrive to the entrance. Sticking our left wrists out the window, they’re scanned and we’re in! Driving on Low Road towards the festival grounds we’re redirected towards the Zucchini Patch campground. Unloading the truck, we begin to set up camp which will be home for the next four days.


First on the agenda for tonight is 80’s Prom Night at the Favela Bar. Dressed in our best 80’s attire, the sun was set, the moon was out and our night began. We headed east on Monkey Business, entering the festival grounds for the first time we were greeted by the Thunder Stage. Passing the giant skee ball, next was the Lightning Stage and onto our first bridge. High fiving through the second bridge and up the hill, the bass is bumping, bodies are dancing as we enter the dance floor. It’s a place like no other, with a giant tree as it’s center, a stage on it’s right and surrounded with tree houses. Spinning 80’s hit after hit, it was probably the best 80’s set of the event.


Getting an early start to Friday, we decided to sample some of the day time activities. Yoga was first on the list, and we checked out Yoga Om; the class had beginners to full time yogis. Next came the Mystery School where we were enlightened about Conscious Business in the 21st Century. With the sun out and heat beaming down we decided to head back to camp. After some rest, we headed out to see our first set of the night Ekali. The night was filled amazing acts from Emancipator Ensemble, &ME, Kinjaz, Mija, The Polish Ambassador, and closed out the night with Cashmere Cat.


It was Saturday morning now and the rest of our camp crew were rolling in. We informed them know they’d have to play catch up because the last two days have been packed with so much partying! We started the day with another round of yoga, followed by some much needed hammock time. Different food vendors lined the festival where we had to get a taste from. You don’t realize how big the festival grounds are until you’ve been there for three days. Saturday night came alive with Hayden James, we got our boogie on at the Woogie with Magda, thenheaded back to Hundred Waters, and ended up at the Thunder Stage with TOKIMONSTA, and Minnesota b2b G Jones. With our remaining energy we powered on to the Grand Artique.


Sunday Funday!! It’s a bittersweet day, day four of yoga, the music, the vibes, the culture and all our new friends. But it’s also our last night. Heading into the festival, we each grabbed a partner and hopped on the ferris wheel. It’s a cold crisp breeze and you can see all of the festival grounds. Totems hung high as groups were leading into different stages, lights flashed, and you can just see everyone jamming out to their own tune. Sunday night ended just like how it began with big acts like Alina Baraz, Four Tet, Guy Gerber, Mr. Carmack, pantraid, and Chet Faker.


Monday morning, sun is shining, as tents are unzipped a layer of fog starts to burn away. Clearing up you can see everyone starting to pack. Sitting on my chair, as I light my cigarette, sipping on a coffee... reflecting back on the weekend and realizing how amazing this event was. I entertained the idea that this might be my last festival as the hangover slowly crept over me. After 13 years of festivals I can truly call this home. Lightning in a Bottle 2016 is the best festival in my opinion. The production, the music, and the art has progressed greatly over the years and speaks to the promoters enthusiasm to make each year better than the next. Will 2016 LIB be my last festival? With the way the Do Lab is heading, I highly doubt it… 

CTM FESTIVAL 2016 18th edition: New Geographies

Si existe una ciudad que de cabida a un festival con un formato como el de CTM, esa ciudad es Berlin. De hecho podría decirse que el festival nació para Berlín, para una ciudad que resurgió de sus propias cenizas a través del movimiento musical y cultural que se estaba gestando a la caída del muro.  Numerosos edificios abandonados retomaron su utilidad como clubes nocturnos, templos del techno y de la transgresión, donde la ciudad reivindicó su derecho a expresarse por fin libremente.

CTM nació en 1999 en el club María en Ostbahnhof, (Estación de tren del Este), el ahora llamado Yaam, en el barrio de Friedrichshain. El festival por aquel entonces llamado “Club Transmediale”, nació bajo la premisa de servir como soporte al “Transmediale Festival”, tal y como se mantiene hoy en día, y tenía, tiene como misión arrojar una nueva visión al incipiente desarrollo de diferentes prácticas artísticas nacidas en el seno del movimiento electro-techno, la cultura clubera y las artes de los nuevos medios. Esta primera edición del CTM llamada “10 Tage an der Schnittstelle von Bild und Ton” (10 Dias en la Interfaz del Sonido y la Imagen) estuvo organizada por Jan Rohlf, Marc Weiser, Lillevan Pobjoy y Timm Ringewaldt, con la colaboración de Oliver Baurhenn y Remco Schuurbiers. El festival se siguió desarrollando en los años siguientes con la excepción del año 2001, en el cual se suspendió por falta de fondos económicos, y siendo la edición de 2014 “Dis Continuity”, año en el que el festival celebró su 15 aniversario, la que registró el mayor éxito de su historia con una audiencia de más de 25.000 espectadores y 200 artistas participantes de 33 países.

La edición de este año, “New Geographies”, como su propio nombre indica, explora en profundidad las nuevas topografías híbridas surgidas en el marco de la globalización, así como la expansión de sus bordes y las consecuentes reacciones de resistencia que está propagación ha suscitado. Durante los diez días en los que transcurre el festival - más eventos que emanarán de él en los meses consecuentes-, los asistentes disfrutaron y disfrutarán de conciertos, exposiciones, talleres, instalaciones, discursos y la intensidad sonora de la escena clubera berlinesa. Bajo la supervisión del co-curador Rabih Beaini en cuanto a programa musical se refiere y a Nororient (Network for Local and Global Sounds and Media Culture) encargados de las exposiciones y las discursos, esta decimoséptima edición del festival pretende acercar a artistas y creadores de países con menor atención mediática. Este año como en años anteriores, el festival se desarrolló a lo largo y ancho de Berlín, desde clubes como el mítico Berghain/Panorama Bar hasta salas de exposiciones como Kunstquartier Bethanien y contando por primera vez este año con Werkstatt der Kulturen.

Para establecer en la medida de lo posible un mapa dónde se desarrollaron la mayor parte de las discursos, exposiciones y conciertos deberíamos dividir el festival en cuatro secciones temáticas diferentes, por un lado, la homónima “New geographies” en la que podríamos englobar las manifestaciones musicales, o “adventurous music” como los organizadores prefieren referirse a las prácticas musicales y artísticas del festival. Prácticas que más allá de poder denominarse “electrónicas”, al menos musicalmente hablando, fluctúan hoy en día en un limbo en el que la música electrónica misma está influenciando prácticas analógicas contemporáneas y viceversa, enriqueciéndose mutuamente la unas a las otras. Por otro lado, encontramos la exposición y serie de discursos “Seismographic Sounds. Visions of a new world” que se desarrolló en la sala Kunstraum Kreuzberg/Kunstquartier Bethanien. Allí pudimos ver la obra de 250 artistas de más de 50 nacionalidades, mayormente concerniente a las posibilidades o limitaciones que la globalización y la digitalización están agregando al mundo del arte y de la música. Esta serie de obras nos muestra la versatilidad a la que el mundo de la cultura está expuesta en la era de las redes sociales e internet. Bajo el nombre de “Rituals” encontramos en HAU2 la obra del artista Vincent Moon, una serie de videos que exploran el concepto del trance en diferentes culturas modernas a través de un viaje sonoro y visual embriagador. Por último, y cabe mencionar, como uno de las atracciones principales del festival, encontramos la intalación del artista Christopher Bauder y el compositor Robert Henke “Deep web”, que tuvo lugar en Kraftwerk Berlin, y en la que los asistentes pudieron disfrutar de una experiencia sonora y visual sin precedentes. Esta intalación creada con sistemas de láser a gran escala, se compenetró perfectamente no sólo con la música con la que estaba coreografiada, sino con el edificio mismo de Kraftwerk creando diferentes tipos de figuras geométricas que fluían dentro de su propia luminosidad.

Como comenté al comienzo del artículo, CTM podría considerarse lo que Robert Irwin creó en los 70 para referirse a obras de arte concebidas para un lugar en concreto, “Site specific”, en este caso, podría decir que el CTM es un “site specific festival”, creado por y para Berlín y en el que el asistente puede saborear la esencia misma de esta ciudad camaleónica.

Como artista y asistente puedo decir que considero que para entender Berlín en profundidad, es necesario conocer su escena musical y artística, en definitiva lo que le da el sello de identidad tan especial a esta ciudad. Creo que la labor del festival CTM va mas allá de la de ser un mero festival artístico-musical, para convertirse en una seña de identidad, y así mismo en un lugar de reflexión sobre las sociedades contemporáneas. Como uno de sus creadores, Oliver Baurhernn, afirmó “Music is an interesting seismograph of societal changes, politics, and how we as societies deal with these changes. That’s why these themes are quite important to us.” (La música es un sismógrafo interesante de los cambios sociales, y políticos, y de cómo nosotros, como sociedades mismas lidiamos con estos cambios).

“Seismographic Sounds. Visions of a new world”

“Seismographic Sounds. Visions of a new world”

En esta edición pudimos ver una gran carga política y no es de extrañar, con la crisis europea y más concretamente en Alemania de la inmigración, los creadores del festival abrieron las puertas a la experimentación, a la reflexión sobre esta crisis y a la realidad de un mundo cambiante que de igual modo se refleja en la música y en el arte. Pudimos ver una gran cantidad de artistas y de manifestaciones artísticas no provenientes de occidente, del lado favorecido del mundo, sino que los que asistimos pudimos saborear el debate, el cambio al que el mundo contemporáneo se está viendo sometido, a las sacudidas que nos están haciendo poner miras más allá de nuestro ombligo, de nuestra parte del mundo conocida, para considerar no sólo otros puntos de vista, sino también otras formas de arte. De algún modo Joseph Beuys ya habló de acercar el arte a la vida, que es y ha sido siempre un problema filosófico, liberar al arte de su peso y convertirlo en algo efímero, como la vida misma, como el día a día, se pone aquí de manifiesto más que nunca. Y es que el festival aún sacando de nuevo a la luz teorías del siglo pasado, es de una actualidad arrolladora.

“Seismographic Sounds. Visions of a new world”

“Seismographic Sounds. Visions of a new world”

Una de las ideas que más me rondó la mente paseando por Bethanien, dónde como mencioné anteriormente pudimos encontrar la serie de exposiciones y discursos “Seismographic Sounds. Visions of a new world”, fue el concepto de “Aura”. De hecho encontré en una de las salas un poster dónde se hablaba en concreto de ello. A lo largo y ancho del recinto se pudieron ver “corta y pegas”, loops de conocidos videoclips, extractos de canciones famosas que los artistas reinterpretaron e hicieron suyos. ¿La idea subyacente? No viene a ser nada nuevo, el concepto de aura se perdió ya en los albores de la invención del cine, hoy en día sólo vemos su manifestación más extrema cuando los “nativos digitales” usan a su antojo obras de otros, las retocan, las trastocan y las hacen suyas, despojándolas así de cualquier indicio que pudiera quedar de su “aura”. Como ya predijo Walter Benjamin en el siglo pasado, a las obras se les quita su autenticidad, se las despoja de su halo y de su condición cultual para convertirlas en un objeto de masas, se las emancipa de su ritual para dotarlas de una mayor visualidad. En la era de la globalización no es de extrañar que esta sea una de las prácticas artísticas más proliferas, y es que cuando el arte se libera de su parte ritual la parte política sale a flote inminentemente. Estas prácticas como el festival nos muestra, no son para nada dañinas, sino que dotan a la obra de una dimensión participativa, se crea una colaboración directa o indirecta propiciada mayormente por el acceso a internet.

“Seismographic Sounds. Visions of a new world”

“Seismographic Sounds. Visions of a new world”

Hasta ahora como pudimos leer a lo largo de la exposición, eran sólo los niños ricos los que tenían mayor acceso a la música, pero gracias a este fenómeno de apropiacionismo participativo las cosas están cambiando. “The Internet and pirated software have totally changed the power dynamic inglobal music in the Arab World and else-where. It’s not only the rich kids who speak anymore. The best example is the rise of the Egyptian dance music from the streets, called mahraganat, in the years 2006 and 2007. It has become the omnipresent sound-scape of Cairo, flying out of every micro-Shopping, every taxi and every tuc-tuc.” (Internet y la piratería han cambiado por completo las dinámicas de poder en el mundo árabe y en todas partes. Ya no son sólo los niños ricos los que tienen la palabra. El mejor ejemplo es el desarrollo de la música egipcia de baile en las calles llamada mahraganat en los años 2006 y 2007. Se ha convertido en el omnipresente sonido de escape del Cairo, volando lejos de cada micro-Shopping, cada taxi y cada tuc-tuc) Nos cuenta Maha ElNabawi, editor del libro “Seismographic sounds”.

Si hablamos de “aura” y “apropiacionismo”, nos remitimos a su vez al arte conceptual. La artista serbia Svetlana Maraš con su obra "Matter of Fact" despuntó en cuanto coherencia y adecuación con las premisas del festival. Con una composición basada en “corta y pegas” de clips y otras obras expuestas en el festival, analiza la relación texto-música desde una perspectiva totalmente innovadora. Para Maraš, el texto es la columna vertebral de su obra y no los clips o la música, introduciendo en una pequeña caja una palabra, el espectador cambia la música y los clips que se proyectan en una pantalla. Esta palabra contextualiza en sí misma la obra, pero no dotándola de sentido alguno, como ocurría en las obras de Jenny Holzer o Barbara Kruger, sino todo lo contrario, la palabra y todo lo que la rodea, pierden su significado o ganan uno absolutamente absurdo.

“Rituals” del video artista Vincent Moon y proyectada en HAU2 a modo de instalación multipantalla, nos muestra un recorrido a través del trance en distintas culturas, y es que el artista viajó alrededor del mundo para investigar in situ rituales de ayahuasca en Perú, trance en Brasil o sufismo en Chechenia. Más allá de ofrecer un punto de vista crítico o analítico, Moon, nos acerca a la cultura de un modo despojado de todo prejuicio, nos deja el camino libre para que experimentemos lo que él probablemente sintió al infiltrarse entre estas gentes. Nos permite sentir, que no interpretar, y eso es algo que no muchos creadores consiguen. Se alternan los cantos, los zumbidos, los gritos, el viento, la conexión que nos une a todos en esencia, las imágenes se superponen en la pantalla.


Por último, y pese a haber aún muchos más artistas que me sorprendieron gratamente, me gustaría mencionar la atracción principal del festival, “Deep web” de Christopher Bauder y Robert Henke. La estructura luminosa que formaba estas olas estaba compuesta de 175 esferas luminosas y 12 sistemas de lásers que se compenetraban a la perfección con el edificio de Kraftwerk. Como suele pasar con los clubes berlineses, un club no es meramente un club, sino que es un compendio arquitectónico e histórico que además contextualiza el sonido que ahí dentro se genera. Kraftwerk es uno de esos clubes que aúnan a la perfección una estructura sacada de una película cyberpunk y una acústica de ensueño. Si a todo esto le unimos la magistralidad con la que ambos Bauder y Henke pusieron en escena “Deep Web”, tenemos una experiencia visual y sonora cercana al surrealismo que todos alguna vez en nuestra vida deberíamos experimentar. Para aquellos curiosos que tengan la ocasión, la obra se exhibirá en Lyon en diciembre de 2016.

CTM pese a ser la antesala de otro festival  “Transmediale”, no dejó con mal sabor de boca a los amantes de la música y el arte experimental, es un festival concebido para pequeñas audiencias, y es así como sus creadores prefieren mantenerlo. Al final y al cabo, pese a no existir un arte aurático hoy en día, aún podemos decir que ciertas manifestaciones se mantienen en la esfera de culto. Esta es una de ellas.

* Como guinda del festival, y a modo de eco, el 12 de mayo en Berghain podremos asistir a Polymorphism con Tim Hecker, Wolf Eyes y We Will Fail.






Envision Festival 2016



Each February, some of the festival scene’s most colorful characters descend on Costa Rica's south-Pacific coast for a weekend of jungle revelry. Once a year, the lush area of Uvita rapidly fills with an eclectic assortment of top-notch musicians, world-renowned permaculture activists and organic foodies, and creative minds of all kinds collide to become part of something more than a simple music festival; Envision is a Mecca for the conscious community. It is a place where healthy living, sustainable design and world-music converge in a beautiful symphony of celebration.

The routes to the festival are as unique as the individuals who find their way on them. As people from all corners of the globe board buses, collectivos, and planes, a common thread gets woven; a desire to be part of something truly special in the festival scene that justifies the sweat-drenched journey to get there. The destination is home to a beachside jungle where howler monkeys play amongst the over-hanging trees, and parrots adorn the high-topped canopy.

 The orchestration of artists, food vendors, musicians, and speakers hits all the notes on all the senses. Let the day begin with a sunrise ocean swim and an early morning yoga practice to sweat out last night’s festivities. Hungry? Grab a freshly squeezed juice or coffee, locally caught fish-filled sushi rolls, and stroll around the Envision Village to escape the scorching midday heat. Listen in on one of the many world-renown speakers and workshops or find a cool, comfortable seat in the tea lounge.

The Envision team plans a perfect schedule - focusing on shade friendly workshops during the day and high-energy dance parties by night. David Wolfe enlightened the crowd on the secrets of superfoods, renegade gardening, and even questioned the curvature of the Earth itself. David Block shared words of wisdom with an inspiring discussion on “Accessing Creativity”, along with his own music in multiple sets as both “The Human Experience”, and his newest project, “The Cat’s Pajamas”.

The main Sol stage featured a projection of a smiling, mustache’d sun that smirked and shifted as illuminated snakes slithered past. The stage hosted an eclectic array of talent. David Satori (Beats Antique and Dirtwire) and Sidecar Tommy demonstrated their versatility with a broad musical quiver, banging, plucking, and strumming any and every instrument imaginable.



Dirtwire's set rightfully drew the largest crowd of the weekend; David Satori’s warm violin played back and forth across the stage with Evan Fraser’s unique mix of jaw harp, slide guitar and percussion. The duet’s seductive set inspired the crowd to groove in unison as Eastern music met West with an electronic undertone. Colorado based quintet Elephant Revival provided a beautiful change of pace, as folk melodies filled the air with washboard runs, banjo whines and wholesome acappellas. The Sol stage showcased local talent with acts including Calavera y La Canal- this Latin American Rockband play a unique blend of Electronica, Rock, and Ska, and perform with an extravagant, costume-filled, Flaming Lips-like flair.

The Lapa Stage was the beating heart of the festival pumping house tunes into the warm, damp surroundings with the likes of Bedouin, Lee Reynolds, and Tara Brooks. A canopied dance floor and close proximity beach access made it ideal for those looking to boogie down while the blazing sun still lingered in the late afternoon. Once the night was upon us, playful lighting and Funktion One sounds pushed the party till the early hours of the morning.

The Luna stage once again captured the hearts of the festival with an on-stage butterfly art installation, abundant fire, silks and even pole performers. The surrounding treehouse style platforms allowed for the perfect aerial view, as a series of overhanging bridges provided the perfect perch above the pulsating crowds. Shpongle’s rattling jungle drums ignited a frenzied crowd in what felt like his natural landscape, while mind-melting projections spilled over the large butterfly. Lafa Taylor bridged the gap between intelligent hip-hop and electronic by picking up the mic and laying down lyrics over original tracks. CloZee justified the hype with her genre defying glitch-hop future bass, paired with a team of local fire dances that lit up the stage and captured the attention of all.

This epic collection of creative minds and excellent music seemed a sign for great things to come, both in the up-and-coming music scene and in the movement for a more conscious, sustainable world. I left feeling hopeful, inspired by an event that was far more than a party in paradise; Envision was a celebration of creativity that continues to push the boundaries of festival culture, setting a high standard for the season to come.

Limited Early Bird Tickets for next year’s event are already on sale, be sure to get them here!

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